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蓬皮杜现代艺术大师展
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新民晚报讯（记者 乐梦融）个展或群展，艺术展览爱好者们或许会有不同的偏好。继莫奈、达利等名家作品来沪展出后，一场来自法国蓬皮杜艺术中心馆藏的群展今年10月将在上海展览中心西二馆举行。
策展人像在玩一个百里挑一的游戏——从1906年到1977年，每一年选择一位艺术家的一件作品，展出的72位艺术家的71件作品就是以“1+1+1”策展思路从蓬皮杜艺术中心馆藏中挑选而出的。
图说：蓬皮杜上海开展
昨天，“蓬皮杜现代艺术大师展”在沪开票。此次展览的作品几乎涵盖了20世纪西方艺术史上所有重要艺术家及其代表作，如布朗库西、杜尚、夏加尔、曼雷、柯布西耶、康定斯基、布列松、毕加索、马蒂斯、贾科梅蒂、艾维顿、赵无极以及伦佐·皮亚诺等。这些来自世界各地的艺术家，在不同的年代汇聚到巴黎，在这里度过了他们艺术生涯中最重要的阶段，共同奠定了巴黎作为世界艺术之都的重要地位。本次展览为国际巡展，其首站于今年6月1日至9月22日在日本东京的东京都美术馆展出，随后巡展至上海。
图说：毕加索《缪斯》
71件作品中包括绘画作品41件，雕塑和装置作品13件，摄影作品10件，其他还有电影（影像）、家具设计和建筑模型等。这些作品可以勾勒出全球百年现代艺术的发展概貌，因而是一场教科书级的世界现代艺术大展。
图说：杜布菲《搅拌场》
据法国策展人乐朋介绍，“一年一人一件”的策展思路将更全面呈现法国乃至全球现代艺术的发展历程，作品涉及西方现代艺术史上几乎所有的重要艺术流派，从现代艺术早期的野兽派、立体主义，到对西方现代艺术产生长远影响的达达主义、超现实主义、抽象派、表现主义和波普艺术等。还有一些虽然没有对后世艺术产生长足的影响，但却表现出艺术家对艺术之可能性的不断探索，如奥费主义、稚拙派、欧普艺术及构成主义等等。
艺术作品总是在不同层面上反映社会现实，“一年一人一件”的策展思路，不仅能全面地勾勒艺术史的发展，还能透过艺术家及其作品，看到他们背后近一个世纪里风云际会的时代变迁。主办方天协文化董事长谢定伟认为，这个展览可将欧洲最具影响力的当代艺术家“一网打尽”。
展览将从10月7日起延续至日。标准票价为150元，预售票价为80元 。
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5 X 8 小时热线蓬皮杜10月在上海开展：71年的辉煌与荣耀 - 今日头条()
蓬皮杜现代艺术大师展要来了！杜尚、夏加尔、曼雷、柯布西耶、康定斯基、布列松、毕加索、马蒂斯、贾科梅蒂、艾维顿、赵无极、伦佐·皮亚诺……哪一个不是如雷贯耳的名字？这一次，法国最负盛名的现代艺术机构蓬皮杜艺术中心将带来71件馆藏大师真迹——从1906年到1977年，每一年，选择一位艺术家的一件作品，涵盖了20世纪西方艺术史上几乎所有最重要的艺术家及其代表作。 这些来自世界各地的艺术家，在不同的年代汇聚到巴黎，在这里度过了他们艺术生涯中最重要的阶段，也共同奠定了巴黎作为世界艺术之都的重要地位。 72位大师，71件名作，尽在今年10月的上海展览中心。一年一人一件“我们希望以一种游戏的方式，策划一场为观众定制的、充满乐趣且奇妙的艺术发现之旅，让所有大师作品齐聚一堂，在梳理了20世纪绚烂艺术史的同时，又展示了世界上最美博物馆之一‘蓬皮杜艺术中心’的珍贵艺术收藏。”策展人罗朗·乐朋先生说。 从现代艺术早期的野兽派、立体主义，到对西方现代艺术产生长远影响的达达主义、超现实主义、抽象派、表现主义和波普艺术,这个“一年一人一件”的策展思路，将更全面地呈现法国乃至全球现代艺术的发展历程——20世纪艺术史上最让人激动的名字一网打尽，而且，在公众熟悉度较高的大师级艺术家中，策展人大多选择了他们艺术成熟时期的作品。 头牌怎么看都是毕加索。 毕加索的画风，一开始受到20世纪20年代中期的超现实主义影响，那时候，他有了一个情人。1927年，毕加索第一眼就被当时年仅17岁的玛丽-特蕾莎·沃尔特（Marie-Thérèse Walter）吸引住了。1935年9月，玛丽为毕加索生下一个女儿，这次展览中将展出的《缪斯》就是玛丽刚怀孕时毕加索为其所作的。在这幅画中，毕加索描画了两个女人：一个女人在睡觉，头和胳膊枕在桌上，另一个则对着镜子画画，整个画面呈现出安宁美好的气息。 杜尚和毕加索所处的时代相同，作为达达主义和超现实主义的代表人物之一，杜尚在艺术史上同样拥有划时代的地位，他改变了整个西方现代艺术的进程。在架上绘画之外，脑洞大开的杜尚绝不是艺术行当的守法者，他更像是个老顽童，什么好玩来什么。正是这种异想天开大闹天宫的精神，使他开创了艺术的全新领域，比如装置。在1913年创作的《自行车轮》中，杜尚第一次将现成品运用到艺术创作中。两年之后，他发明出一个词“现成艺术”(readymade）。再两年之后，他把一个小便池送进艺术展厅并取名为《泉》，世界艺术史从此翻开了新的篇章。 被奉为现代新闻摄影之父的布列松，气质就要沉稳得多，他是20世纪最伟大的摄影家之一，同时也是玛格南图片社（Magnum Photos）的创办者，他的“决定性瞬间”摄影理论影响了无数摄影师。本次展出的是他最著名的作品之一《圣拉扎尔车站背后》。 曼雷，则是超现实主义阵营中最重要的摄影师，1961年获得威尼斯双年摄影展金奖。他的作品曾经带来强烈的视觉冲击：造型美丽的大眼睛，感伤的怅惘的眼神，滚滚发亮的泪珠，精彩的带有丰富暗示的特写……而曾经为无数艺坛大咖留下经典肖像的先锋摄影大师曼雷，他呈现在本次展览中的，却是杜尚一个毛茸茸的后脑勺。 从“炼油厂”到文化地标还有一些名词，普通人看来可能感觉陌生——奥费主义、稚拙派、欧普艺术、构成主义……虽然没有对后世艺术产生长足影响，却代表着艺术家对艺术之可能性的不断探索。在20世纪的艺术史中，各类艺术思潮不断涌现，这次展览中就汇聚了十余位新艺术流派的开创者。除了立体主义创始人毕加索和布拉克、野兽派创始人马蒂斯及抽象艺术之父康定斯基之外，还有被称为动态雕塑艺术之父的亚历山大·考尔德、世界上第一个集成艺术大师阿尔曼、曾经包裹德国国会大厦的大地艺术家克里斯托夫妇，以及欧普艺术之父维克托·瓦萨雷里等。他们的作品，让观众看到了艺术家如何开疆拓土、不懈探索。 1910年，德劳内开始创作埃菲尔铁塔系列，并一直延续到1926年。在《埃菲尔铁塔》中，德劳内采用了仰视的视角，突出了埃菲尔铁塔之高之大。铁塔的顶端依稀可见，像是淹没在无尽的天边。 时尚摄影的泰斗级摄影师理查德·艾维顿，为老年时期的可可·香奈尔拍摄的肖像《加布里埃·香奈儿，服装师，巴黎，日》，这张照片的角度和造型，曾被很多后代女星模仿。 参展作品中尤为特别的一件，是巴黎蓬皮杜艺术中心的研究模型。1971年，蓬皮杜中心向全国公开征集建筑的设计方案。伦佐·皮亚诺（Renzo Piano）、理查德·罗杰斯（Richard Rogers）和另一位意大利建筑家吉安方克·法兰锲尼（Gianfranco Franchini）一起投稿。尽管那时他们只是初出茅庐的新人，却最终脱颖而出。从模型上来看，蓬皮杜中心的核心是将建筑的“内部”变成“外部”，展现了一个颇为现代、错综复杂的开放结构。为了强调趣味性，他们根据功能的不同，将裸露在外的管道漆成了不同的颜色，把蓬皮杜艺术中心变成了一个色彩缤纷、面向所有人的地标性文化广场。 1977年落成时，蓬皮杜艺术中心曾因其怪诞的造型而备受争议，被讥讽为市中心的“炼油厂”。然而多年之后，这幢建筑已经成为巴黎最为重要的文化地标与观光景点。当年的两位年轻建筑师，伦佐·皮亚诺和理查德·罗杰斯，也因蓬皮杜艺术中心的设计而奠定了他们在建筑界的地位——两人后来分别在1998年和2007年获得全球建筑界的最高荣誉奖项“普利兹克奖”，成为享誉世界的建筑大师。 在这次展览中，建筑也占据了一个显眼的位置，除了蓬皮杜建筑本身，现代建筑四大师之一的柯布西耶也名列其中。被称为“功能主义之父”的勒·柯布西耶是20世纪最重要的建筑师之一，直至今日仍被许多建筑师奉为精神导师。这次展览中将展出的是他的一张《静物画》——很多人可能并不知道，柯布西耶也画过油画，还对萨尔瓦多·达利产生过影响。
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(C) 2016 今日头条 违法和不良信息举报电话：010-公司名称：北京字节跳动科技有限公司贡布里希的《艺术的故事》是有关艺术的书籍中最著名、最流行的著作之一。因其通俗易懂，深入浅出，已经成为所有从事艺术者及大众艺术爱好者了解艺术的必读书目。但贡布里希在全书开言的一句话，“没有艺术这回事，只有艺术家而已 There really is no such things as Art. There are only artists。”却让绝大多数读者摸不着头脑。What r u 叨叨的啥？
下面小编将带领大家360度全方位无死角剖析这句话到底是个嘛意思，系好安全带，开始啦！下面是贡大爷原文：下面是著名艺术史家，也是把贡大爷引入大陆的始祖范景中先生的译文：下面是贡大爷在接受记者采访时对这句话的理解（ps:文中有些专业术语，建议非艺术史专业盆友直接略过此部分，飞速下滑到下一部分）：
B:贡布里希
A.“没有艺术这回事，只有艺术家而已”是《艺术的故事》的头一句话，这是什么意思？?? B. 这个说法不是我创造的，而是我在老师的文章中找到的。施洛塞尔在他的“风格史与语言史”一文中提出了这样一个问题：通常所说的艺术有历史吗？他当时深受贝内代托o克罗奇的影响，并翻译了克罗奇的著作，他相信从某种意义上说，每件艺术品都是一种自发的创作。这样每首抒情诗都有其自身存在的价值，每幅画都是一座“孤岛”。在这个场合下，他提到一个批评家和一个叫利普斯[Lipps]的心理学家的争辩，因为利普斯说过，没有艺术这回事，只有艺术家。施洛塞尔接着说：“不过这位批评家不知道这句话早在1842年就由一位名叫冯o麦尔恩[Von Meyern]的人说过了。”这种说法的背后当然是一种唯名论的观点，即认为艺术是我们创造出来的范畴，“艺术”这个术语有多层被强加上去的意义。在过去，在文艺复兴时期，arte即art，指的是工艺技巧、技术能力，而不是我们所说的艺术。?? A. 今天“艺术”这个词指的是什么？?? B.有两种意思。如果你说“儿童艺术”或“狂人艺术”，你不是指伟大的艺术品，而是指绘画或图像；如果你说“这是件艺术品”，或“卡蒂埃—布勒松[Cartier-Bresson]是位伟大的艺术家”，则表现了一种价值判断。这是两种不同的东西，但有时被混在一起，因为我们的范畴总是有点漂移不定。所以我认为一开始先警告读者我不从定义入手，这样做会稳妥些。因为定义是人造的，艺术没有本质。我们可以规定我们所谓的艺术和非艺术。??在这种场合重要的是认识到，我们能给出的只不过是波普尔说的“从左到右的定义”。根据这个定义，我可以说“在下文中所说的艺术是这还是那”，我不能说“这就是艺术”。你知道，在科学里这完全是当然之事。没人会问什么是生命，什么是电或什么是能源。他们说：“我所说的能源指的是这或那。”在人文科学里这种亚里士多德的传统即对本质的信仰应该消除。这种观点存在得太久了，它没有任何结果。每个词都可以被赋予很多不同的意思。从这种意义上说我认为艺术的范畴是由文化来决定的。慕尼黑大学的汉斯o贝尔廷[Hans Belting]教授写了一本关于图像的厚书。他坚持说，艺术的观念只产生于文艺复兴，中世纪艺术不能称为艺术。我认为这种讨论没有什么价值。只要我们知道我们所说的是什么，我们不妨称中世纪艺术为艺术。高级的眼装是不是艺术？这仅仅是一个习俗的问题。关于马塞尔o杜尚（Marcel Duchamp）之类的书多得可怕，我不读这些书。当杜尚把一个便壶送去展览的时候，人们说他“重新界定了艺术”，真是无聊！??所以我用那句话开始我的书，并不觉得遗憾。当然，这话可能导致误解。我的观点是：有制像这么回事，但是要问建筑是否艺术，或者摄影和地毯编织是否艺术，那只是浪费时间。在德语中Kunst[艺术]包括建筑，但在英语中不包括，如果你看一看《塘鹅艺术史》（Pelican History of Art）你会发现其中一卷称为《十七世纪的法国建筑和艺术》（The Art and Architecture of France in the Seventeenth Century）。每个概念在不同的国家都有不同的意义范围。?? A.当你写那本书时，你是怎样看待那个题材的？?? B.我实际上想说的是，如果某些事情本身成了目的，那么我们就有权说它是艺术。有很多事情都可能这样，在中国书法是艺术，在西方却不然。?? A.所以你会建议用尽可能广的艺术定义？?? B. 如果技术的表现变得像功能一样重要甚至更重要，我会用“艺术”这个词。请让我引述一段《艺术的故事》的结尾的话：??艺术家的奥秘是，他能把作品创作得无比美好，使得我们由于单纯欣赏他的作法几乎忘记问一问他的作品打算做什么用。……当人们都是那样集中地注意艺术家怎样把绘画或雕塑发展成为一种美好的艺术，竟至忘记给予艺术家较为明确的任务时，这在艺术发展史中就是一个命运攸关的重大时刻。我们知道向这个方向迈出的第一步是在希腊化时期，另一步是在文艺复兴时期。然而不管听起来可能如何惊人，这种步调毕竟还没有剥夺画家和雕塑家那个必不可少的任务核心，仅有那核心就足以激发他们的想象力。甚至在明确的工作已经比较少见时，仍然有给艺术家留下的一大批问题，艺术家在解决那些问题时就能显示他们的技能。在社会没有提出那些问题的地方，就由传统提出。?? 现在大部分人用“艺术”这个词，来指一种与社会上的任何功能都不相关的为艺术本身而进行的活动，艺术成了一种神秘的事业。??实际上这是18世纪发生的一种变化造成的结果，当时人们开始赋予艺术一种新的意义。在那以前人们谈论绘画或雕塑，不是谈论一般意义上的艺术。只有当美学得到发展、人们的行为摆脱了教会的任桔以后，当沉思已经代替祷告的时候，人们才开始谈论一般意义上的艺术。艾布拉姆斯（M.H.Abrams）最近写了一部极好的著作，证实艺术作为一种高尚和神圣之物的观念是在18世纪才出现的。??从史学家的观点看，这一点很重要。我有时候在文章中也讨论这一点，比如关于莱奥纳尔多的文章。有很多枯燥无味的文章说他如何把艺术和科学结合起来，但莱奥纳尔多本人决不会说他把艺术和科学结合了起来，因为他没有这些概念，艺术意味着技巧，而科学意味着知识。”?? A.回到你的《艺术的故事》中的第一句“没有艺术这回事，只有艺术家而已”，你当时是不是打算写一部艺术家的历史？??不，不是。这里有一个矛盾，因为就像在《艺术与错觉》中一样，我争辩道：“制像”有一个历史。正如我刚刚说过的，“艺术”这个词至少有两种意义，所以《艺术的故事》实际上讲述了两件事：它是人们制作图像的故事，从史前洞穴到埃及人直到现代人制作图像的故事；但是显然我选了那些可以在价值上作判断的艺术品作例子，所以，《艺术的故事》又是另外一种意义上的“艺术”的故事，即制作好图像的故事。?? A.那就是说仍然有一种像艺术的历史之类的东西。?? B.艺术史有技术的方面，你得学会怎样制作好的图像。假如你没有必要的技术，你就做不出好的图像。透视是这种技巧的一个极佳的例证，还有许多其他的例证。从这个意义上说，艺术史类似于其他的科技发展，比如金属制作。它不同于抒情诗，抒情诗在大多数文明中以不同的形式存在着，你很难谈论它们的“进步”。另一方面，音乐史上确实有真正的发明，和声法是一种改变了音乐创作历史的发明。建筑也是一样，希腊人不知道怎么样在房屋上建拱顶。这些区别是很重要的。?? A.有技术史，但也有趣味史、风格史，以及一位大师对另一位大师的影响史。?? B.对，这是对的。首先是趣味，但是还有艺术的不同功能：在不同的社会中，图像是为不同的目的而制作的。在古埃及许多图像是为坟墓而作，它们只供死者的灵魂观看，而不是给其他任何人看的。当时没有艺术商人或艺术展览，从那个意义上说，技术与其他许多东西相互作用。我后来创造了一个短语叫“图像的生态学”[the ecology of the image]，图像本身可能进化，但它的生态即它的社会环境也会反过来对为何制作和如何制作图像产生影响。让我举个非常现代的例子——招贴画。画招贴画时，你的目的非常明确，你想尽快地吸引注意力，所以招贴画一定要画得简单。所有这一切都影响并极大地决定了招贴画艺术家，比如香烟招贴画制作者，必须考虑的问题。就此而言，被请到教堂里画祭坛画的艺术家也同样如此。生态与趣味有同样大的影响，社会声誉也一样。节选自《艺术与科学：贡布里希谈话录和回忆录》杨思梁、范景中译浙江摄影出版社1998年版下面是小编从知乎网上找到的网友对这句话的理解：（ps：阅读老少皆宜）知乎网友：不鸟万如一这就是名言警句（aphorism）的坏处。这句话是《艺术的故事》序言的第一句话，而贡布里希用序言的前两段已经把它说清楚了，并不复杂。单独抽出来，会造成无穷无尽的误解。首先，问题里的引文有误，贡布里希的原话是，「没有大写的艺术这种东西，只有艺术家。」There really is no such things as Art. There are only artists。也可以翻译成「没有『艺术』这种东西，只有艺术家。」贡布里希的意思是艺术在不同时代和地区的定义不同，而「艺术」这一概念则是武断地用一个思维框架来套所有艺术家的所有出品。他举了个例子：某甲对某乙说：你喜欢这幅画不是因为「艺术本身」，而是因为 XXXX。贡布里希认为，仅仅由于一幅画让他想起了童年而喜欢它，没有任何问题。没有错误的「喜欢」，只有错误的「不喜欢」。错误的不喜欢指的是任由偏见蒙蔽自己，丧失了欣赏艺术作品的机会。例如因为自己不喜欢爬山而不喜欢看跟登山相关的画，或者说，「我不喜欢单簧管的声音，所以 Oregon 这个乐队我没兴趣。」为什么「只有艺术家」？在技术主义盛行的今天，我们喜欢说 creator 或 maker。这其实就是艺术家：做东西的人。《艺术的故事》是一本（很好的）入门书，以上立场作为入门书是很好的。但它只是诸多立场之一。在今天，「没有错误的『喜欢』」是很容易被用来当作反智的借口的。知乎网友：孙宇光我认为这句话并没有那么复杂，想很多人心里应该都已有一个大致的轮廓，但是缺乏一个清晰的描述。恰好看过Gombrich的原作，这句话不过就是他站在后现代主义上一个很平易近人的“解构主义”观点（实际上整本书也都是用的这种娓娓道来的语气表达了作者的观点，艺术本就不该是什么让我们高山仰止的玩意）引个例子，一个醉鬼看到墙上面写着“走路小心” ，这不过是一件司空见惯的事情，醉鬼心里却会想“说的真他妈对”。因此无论什么，对一些人是艺术，对另一些人不过是一面墙，无法哪怕稍微准确得判断艺术这种东西是什么。但可能会有这样的疑问：卢浮宫里面确实摆着一些东西，是谁把他们和一面普通的墙区分开？可以用道德来比喻。我们都知道，并不存在一套上帝给世界创造的审美的法则，就像没有一套完美的行为准则一样。但是作为某个群体的成员，人们如今还是会选择好比不要施舍，因为施舍是一种纵容，尽管昨天它还是怜悯和美德，这样的电车难题虽然无解，可是也无时无刻不在给出答案。不存在伦理，世间却有纲常和法律，同样，没有艺术，却有艺术家。 艺术家试图为审美立法，用敏感和热情劝说其他人什么应该更美，于是慢慢有人发觉好像是对的，我们跟从他们，不过大写艺术已死，我们并不尾随他们。“事实上，大写的艺术已成为叫人害怕的怪物”——E.H. Gombric知乎网友：Litalike艺术，之所以能叫艺术，是因为经过了人文加工；是作者用自己的审美表现出的情感和情绪通过某一事物让受众引起反应。举个例子：一块石头在地上躺着，大多数人没觉得怎样就走过去了，如果一个人把这个石头从中间切割出一面，觉得这一面石头的纹理特别像一个垂钓人的背影，他给这个作品提了句诗“孤舟蓑笠翁，独钓寒江雪”作名儿，然后放在展览厅里展览；这时候有人看见了心想太可笑了，我根本没看到有什么独钓人、明明是一只狗！或者有人看见了觉得哇真的好浪漫，没想到大自然这么神奇、作者这么厉害、给了我们一个从新角度欣赏大自然礼物的机会，看哪多像飘雪的江面、多么寂寥！有的人可能觉得我看到似曾相识的孤独、有的人看到截然相反的自得其乐…然后艺术作品在更广更深的讨论中流传，艺、术就是这么诞生的。绘画亦是。一群妇人在田地间拾麦子在当下是很普通的事，但是作者突然有了感触有了灵感把它记录下来，实际上大于记录，因为创作是带有作者自己的情绪与表达倾向的；有人看了很多幅麦田间的人，突然在这一幅中有了异样的感觉，觉得被一种劳动着的宁静所打动、或者被一种淡化的艰辛所打动，完成了对艺术的反应。音乐亦是，作者早上起来打开窗看到美好温柔的阳光、或者独行夜路时突然好像脑海飘进一段旋律，后来有太多人从这段旋律中感应到了自己一时间的相同或不同的情绪，这段旋律得以被奉以经典是艺术；文学亦是，作者有天吃了饭后突然想到了如何讲一个压在心底的故事，想到了张三李四应如何恰好地塑造，后来有太多人难以忘怀这个故事、这些栩栩如生的人，这个故事就会是以后所有试图表现其的艺术形式的第一页；电影、戏剧亦如是，作者用自己认可的方式演绎一个故事…；建筑、设计亦如是，作者用自己的认知结构想创造、安排一个事物…总之，你也发现了，艺术的存在是因为有交流有沟通，不管这沟通是外在的还是内在的，也就是说艺术的存在是因为有“人”。倘若大自然给的一切放置在那里，那就是一个大自然；倘若人类要试图自己理解一下、试图自己表达一下、他们彼此之间存在一种交流就叫艺术。交流、表达欲望强盛有天赋的就叫艺术家。没有艺术的时候总会出现第一批艺术家，但是艺术家没出现的时候，艺术才是最原始的自然的样子，艺术还没被思考的样子。所以，艺术是个很虚的词儿，有的是一代一代的生生不息，有的是一代一代生生不息的艺术家。艺术是个大课题，个人对单句的理解便到这儿了。谢谢阅读。
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