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这幅画是梵高的哪幅作品？
这幅画是梵高的哪幅作品？电影Banlieue 13 - Ultimatum里说值两亿欧元。
Wheat Field with CypressesVincent van Gogh (Dutch, Zundert
Auvers-sur-Oise)Date:1889Medium:Oil on canvasDimensions:28 3/4 x 36 3/4 in. (73 x 93.4 cm)Classification:PaintingsCredit Line:Purchase, The Annenberg Foundation Gift, 1993Accession Number:
(C)2016果壳网&&&&京ICP证100430号&&&&京网文[-239号&&&&新出发京零字东150005号欣赏一幅画的原作和欣赏一幅画的图片 区别在哪里_鉴藏知识_新浪收藏_新浪网
欣赏一幅画的原作和欣赏一幅画的图片 区别在哪里
　　很多人会赞美梵高用色之美丽，但当你在网络上搜索梵高的名作《星空》时，得到了如下结果：
好了现在请告诉我该赞美，或者相信哪一幅的颜色呢？
　　可见最大的问题在于失真，图片对于原作的还原受到各种因素的限制，导致我们不能从图像上去获取原作的准确信息。
　　展开来表现为：
　　一、细节的丢失
　　二、色彩的失真
　　三、艺术感受力的损失
　　下面为展开：
　　一、细节的丢失。
　　以下两幅为拉斐尔和荷尔拜因的作品。
　　美术学的同学可以从大图中读出很多的人文信息，但对于研究绘画方法的人这就有点不够用了，因为受图片像素限制导致作品细节非常有限，而如果可以看到原画，我们就可以读到更多细节，如下图：
　　如果看到原图的细节，如上图，我们就可以尝试读到一些非常有用的信息，例如右图拉斐尔用笔更为干脆，颜料较薄，而荷尔拜因则笔触较为黏腻，颜料较厚；荷尔拜因相较于拉斐尔更注重线条对人物造型的帮助等等，而这些信息通过观察原作会更为直观和全面的观察到。
　　图像细节的丢失还会带来另一个问题，就是画作变得扁平而失真
　　这是在展览中拍的卡巴内尔的肖像画原作：
作为法国学院派的一员，卡巴内尔运用了间接画法来画这幅肖像。
　　所谓间接画法的代表方法就是罩染法，简单来说列如在脸颊上先画上红色，再用大量的油混合透明肤色颜料覆盖在红色颜料上，就可以使面部肌肤产生一种白里透红质感。
　　间接画法使得这幅画不同区域的颜色厚薄产生了对比，鼻尖，面颊，耳朵因为罩染的先后处在了不同的油层上，所以观察原作的时候，会明显感到一种类3D的空间感，你会感到鼻尖是突出的，而耳朵在画作深处。这些感官都是在图片上难以观察到的。
　　二、颜色的失真
　　在教朋友画画的时候，非常重要的一项就是培养对颜色的敏感度，但我相信即使普通人也会很轻易地分辨出第一幅图中各个《星空》的颜色差别。在我搜《夜巡》的时，也出现了相同的问题：
说些学习绘画的人才知道的痛苦。
　　在中国学习西画，因为接触的西方名画家的原作机会极其有限，累视觉经验和研究绘画技巧只能借助于画册。而画册最大的问题就在于失真，所以为了尽可能获得图像的准确信息，中国的绘画学生们只能去买非常昂贵的外文画册，来帮助自己提升对油画的认识。而国产画册因为大多使用和二手的图像资料和拙劣的印刷技术，几乎不堪入目。
　　故而陈丹青回国后才哀叹，中国青年学架上绘画只能依赖照片和画册。而如果你关注中国当代架上绘画的话，就会发觉艺评家们常在讨论中国架上绘画的图像化的问题，也就是艺术表达太过依赖表层的图像创新，而绘画本身缺乏深度。
　　一些朋友疑虑印刷品对原作的色彩还原是否真的无法做到近乎一样，又或者细微的颜色差距是不是真的会对观看画作有极大的影响，将回应粘贴于下：
　　“ 从业者和非美术从业者对色彩的敏感度区别很大，两年来教成年人画画深有体会，所以有些在你看来是很细微的差别在从业者看来是非常大的。
　　即使是同样一张画，在不同的品牌的电脑显示器上都会有不同的色彩显示，做设计的朋友有一项很重要的工作就是找到一家色彩还原比较好的印刷工坊来印制产品，这都体现了在专业领域内不同印刷品，显示产品之间的色彩差别都是肉眼可见并有切实影响的。
　　如果比喻的话，应该是普通影像制品和高保真音像制品和现场音乐会之间的差距，再言之，不同的指挥家，乐团，乐手演奏同一个曲目时，也都会有可被感知的差别，也造成了古典乐发烧友对某个指挥家，乐团或者乐手的执着喜好。”
　　可以这么说，图片对原作色彩的还原度的要求根据观者个人观察目的不同而变化，但问题在于浏览图片确实会失去观察原作可以得到的色彩体验，并且，在没有视觉经验的前提下，观众又如何判断到底哪一张图片的颜色更接近原作呢？
　　三、艺术感受力的损失。
　　在1990年时，加拿大国家美术馆用176万美元的高价买下了纽曼（美国抽象表现主义代表人物之一）的作品《火之声》，这幅作品长这个样子：
　　加拿大人民经过了跟你一样的瞠目结舌之后愤怒了，他们在媒体上质问国家美术馆为什么拿纳税人176万美元去购买这样一幅儿童都可以画出的作品，当时的媒体上出现了这样的讽刺漫画：
　　现在不论这幅作品是否值得这个价格，这件事有趣在于，其实这幅作品在1988年加拿大国家美术馆刚刚建成之后就被借来挂在了美术馆的大厅，而两年间没有任何参观者质疑这样一幅作品，甚至他们非常理解这幅作品的优点，简明大方现代艺术作品，两方的深蓝色将中间的红色烘托得明艳夺目，与国家美术馆现代性的风格也搭配地和谐而统一。
　　虽然这件事之后一直有争论，就像抽象表现主义整体都让人充满了疑问一样，但当人们站在作品前时的心里感受和拿着小小的作品图片时的心里感受一定有着巨大差别，图片给人带来的感受一定受到尺寸的限制。再例如上文中我提到过伦勃朗的代表作《夜巡》，你如果先前不知道这幅画，一定不会注意到它，因为图片的力量实在太微弱了，《夜巡》实际有多大呢：
如果你是路过这样一件作品，艺术的力量必然会让你停下脚步定睛观看。
　　再说个反例，几乎人人都知道达芬奇的代表作《蒙娜丽莎》，但我身边去卢浮宫看过原作的朋友都向我表达过失望的情绪，他们觉得这样一幅伟大的作品真迹必定是震撼人心的，然而实际他们看到的景象是这样的：
　　《蒙娜丽莎》的尺寸是77*53cm，算是比较小的作品，而它的名气又过大，所以使不少慕名去看的普通观众感受到了莫名的失望。（我没有说《蒙娜丽莎》不是一件伟大的作品）
　　所以原作给人带来的感受是图片无法替代的，而艺术对于普通人的影响却常主要来自于作品对他视觉体验上的感动。同样的一部电影，在笔记本上看，在家庭影院上看，在电影院中看，在影院imax3D上看，有着完全不同的体验，这是观看原作和图片的最大差别。
& （文章来源：知乎日报 宁湾）
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科目：初中历史
来源：2009年湖南省长沙市初中毕业学业考试试卷文科综合（历史部分）
下边的这幅名画是西班牙哪位著名画家的作品
科目：初中历史
下边的这幅名画是西班牙哪位著名画家的作品
A．毕加索 &&&&&&&&& B．梵高 &&&&&&&&&&&&& C．莫奈 &&&&&&&&&&&&& D．达利
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作业讨论群：不是艺术生，仅发表一下自己的看法。深夜写的，很情绪化，大家见谅。在巴黎留学的这一年去了很多美术馆。当然少不了卢浮宫和奥塞，也去了橘园，毕加索博物馆，Guimet，圣母院等林林总总大大小小的美术馆，教堂。我觉得，真实的画作所承载的一切绝非电脑上的照片可比拟。所以为了遵从这样的想法，这回答内，我就不引其他的照片了。当你站在一副画前（或是雕塑等一切的艺术品，之后统称画），实际上你所接收到的信息，并不只有艺术品本身。（我的答案建立在“大家看艺术品时都要到美术馆这样的场合”的一个假设上）除了其他答主所提到的一些关于画本身的细节之外，我想说画周边的画，画周边的背景，画在这个展厅内所处的位置，这个展厅的装修，美术馆所指导的观赏顺序，甚至这个展厅在美术馆之内的位置，这一切的一切都对你的观赏体验会起到影响。例一：加纳的婚礼 Marriage at Cana （画家：保罗.委罗内塞）大部分的人或许从来没有听说过这幅画。就算你google image一下，或许也觉得：这幅画好像除了人特别多之外，也没有什么特别的。但是观赏这幅画的体验，却有些特别。这要从卢浮宫的引导观赏顺序开始说起。作为一个俗人，答主在第一次参观卢浮宫的时候自然免不了去看一看大名鼎鼎的蒙娜丽莎。卢浮宫也深谙游客心理，进馆之后一路上都有“蒙娜丽莎这边走!”的标识。我一路跟着路标，弯进了一个十分宽敞明亮的房间。而小小的蒙娜丽莎就嵌在了正中央的墙中。所幸我去的那天人并不是很多，一会就到了她面前。端详几分之后，我就从左边用带子设置好的通路走出了蒙娜丽莎观赏区。然而一转身，我就看到了这幅加纳的婚礼。没有错，如果你进门后就按照卢浮宫的一般标识来行走的话，当你走进蒙娜丽莎所在的展厅内，你实际上是看不到这幅巨画的（它是卢浮宫内最大的一副画作）。它与蒙娜丽莎面对面地立着。蒙娜丽莎的小愈发承托出了这幅画的大。巨画中的熙攘人群对应着独自一人的蒙娜丽莎。而画中央的耶稣处在人群之中却显得与他人格格不入。他表情肃穆，头顶的祭祀暗示了他被处死的结局。耶稣那直直盯着观者的眼神中复杂的感情，是只有当你正站在画前才领会得到的。对蒙娜丽莎的期望，对宽敞展厅的惊叹，那看完蒙娜丽莎后一回头的讶异，逐渐走向画的过程，画的大小对观者造成的震撼，这些缺了任意一样，感受都会不一样。而如果你只看到电脑上的一幅图片，或是一张明信片，所有的一切因素都会没有。例二：奥赛博物馆答主在奥赛博物馆游览的时候，被震撼地差点要流泪。观赏画作真品时自然会对画作有一个三维的感受，像其他答主有所提到的，例梵高化妆中颜料在3D空间中的表现力，也像我上一段说的，美术馆对画作的位置安排。这里想再详细讲一下，美术馆中，观赏一幅画时，除此幅画之外的所有的艺术品加起来，给观者带来的感受。到了奥塞后，答主先是看了名作们，比如梵高，莫奈，塞尚，等等等等。看的时候当然是，哇这幅画真漂亮( *??`*)，哇这幅画看上去好厉害???，哇这个草泥马雕塑好可爱哦，哇这幅画的色彩好鲜艳，之类的。因为我不是学艺术的，艺术史也是一知半解，所以对艺术品的欣赏非常浅薄，只是觉得所有的一切的一切都很漂亮，很憧憬，很想学画画。但是，当我在二楼看到了 该隐Ca?n （画家Fernand Cormon）这幅画的时候，之前的感受突然就升上了一个维度。实在是太复杂了，我只能试着把它表达出来。该隐这一幅画，乍一看就像原始人打猎归来。但是实际上画的是该隐的逃亡。圣经故事中该隐因为嫉妒而犯下了弑弟的罪行，上帝惩罚他，将他逐出了家园。画中白发苍苍的该隐领着家人一言不发地赶路，整幅画的气氛压抑，低落，麻木。但我想说的并不是圣经故事，而是这幅画，综合馆内其他展品，给我带来的体验。当我看到这幅画时，我想到了人。原始人类这样一个开始与一般动物无他的物种，逐渐走过漫长的岁月，最终成为了我们现在的模样。在发展的途中，有打猎，有神话，有自相残杀，有爱情，有战争，有失败，有胜利，有恶毒的阴谋，有无私的善良，而过去的一切都终将被我们忘去，只有艺术家们的作品捕捉了那一个个的瞬间。一副一副的作品，都是人在这个地球上活过的痕迹。我们，到底是怎样一步一步，从壁画走向印象派的？一切的感受如潮水般冲过我，差点震撼得要落泪。当我看着该隐这幅画时，实际上我在馆内所见过的所有画作都同时在对我产生影响。如果没有这样的一个游览过程，如果不能切身地站在这幅画面前，对不起，我什么都感受不到。所以如果你要问我，欣赏一幅画的原作，和欣赏一幅画的图片的区别在哪里？我就想说，这其中的区别，大到我完全无法形容。所以我建议，有条件的话就去看原作吧。观赏艺术作品的同时所感受到的人文的光辉，比艺术品本身更重要。去看原作吧！让伟大的人脑海中的想象，成为映射在你眼里的现实。这是多么奢侈的体验啊。
很多人会赞美梵高用色之美丽，但当我在网络上搜索梵高的名作《星空》时，得到了如下结果：&br&&br&&img src=&/7e0be9adbd4946ceb050b2_b.png& data-rawwidth=&850& data-rawheight=&532& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&850& data-original=&/7e0be9adbd4946ceb050b2_r.png&&&br&好了现在请告诉，我该赞美，或者相信哪一幅的颜色呢？&br&&br&可见最大的问题在于失真，图片对于原作的还原受到各种因素的限制，导致我们不能从图像上去获取原作的准确信息。&br&展开来表现为：&br&一，细节的丢失&br&二，色彩的失真&br&三，艺术感受力的损失&br&&br&&br&&br&下面为展开：&br&&br&一、细节的丢失。&br&&br&以下两幅为拉斐尔和荷尔拜因的作品。&br&&br&&img src=&/8e38cd5430bc8ccb618bda8_b.png& data-rawwidth=&850& data-rawheight=&534& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&850& data-original=&/8e38cd5430bc8ccb618bda8_r.png&&&br&美术学的同学可以从大图中读出很多的人文信息，但对于研究绘画方法的人这就有点不够用了，因为受图片像素限制导致作品细节非常有限，而如果可以看到原画，我们就可以读到更多细节，如下图：&br&&br&&img src=&/621fd22bfe33346aeec1bd3d0ede197d_b.png& data-rawwidth=&800& data-rawheight=&499& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&800& data-original=&/621fd22bfe33346aeec1bd3d0ede197d_r.png&&&br&如果看到原图的细节，如上图，我们就可以尝试读到一些非常有用的信息，例如左图拉斐尔用笔更为干脆，颜料较薄，而荷尔拜因则笔触较为黏腻，颜料较厚；荷尔拜因相较于拉斐尔更注重线条对人物造型的帮助等等，而这些信息通过观察原作会更为直观和全面的观察到。&br&&br&图像细节的丢失还会带来另一个问题，就是画作变得扁平而失真&br&&br&这是我在展览中拍的卡巴内尔的肖像画原作：&br&&br&&img src=&/8eebca6b0a_b.jpg& data-rawwidth=&2448& data-rawheight=&3264& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&2448& data-original=&/8eebca6b0a_r.jpg&&&br&作为法国学院派的一员，卡巴内尔运用了间接画法来画这幅肖像。&br&&br&所谓间接画法的代表方法就是罩染法，简单来说列如在脸颊上先画上红色，再用大量的油混合透明肤色颜料覆盖在红色颜料上，就可以使面部肌肤产生一种白里透红质感。&br&&br&间接画法使得这幅画不同区域的颜色厚薄产生了对比，鼻尖，面颊，耳朵因为罩染的先后处在了不同的油层上，所以观察原作的时候，会明显感到一种类3D的空间感，你会感到鼻尖是突出的，而耳朵在画作深处。这些感官都是在图片上难以观察到的。&br&&br&二，颜色的失真&br&&br&我在教朋友画画的时候，非常重要的一项就是培养对颜色的敏感度，但我相信即使普通人也会很轻易地分辨出第一幅图中各个《星空》的颜色差别。在我搜《夜巡》的时，也出现了相同的问题：&br&&br&&img src=&/e672f317b48fafdf70dd4df_b.png& data-rawwidth=&2536& data-rawheight=&1314& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&2536& data-original=&/e672f317b48fafdf70dd4df_r.png&&&br&说些学习绘画的人才知道的痛苦。&br&&br&在中国学习西画，因为接触的西方名画家的原作机会极其有限，累视觉经验和研究绘画技巧只能借助于画册。而画册最大的问题就在于失真，所以为了尽可能获得图像的准确信息，中国的绘画学生们只能去买非常昂贵的外文画册，来帮助自己提升对油画的认识。而国产画册因为大多使用和二手的图像资料和拙劣的印刷技术，几乎不堪入目。&br&&br&故而陈丹青回国后才哀叹，中国青年学架上绘画只能依赖照片和画册。而如果你关注中国当代架上绘画的话，就会发觉艺评家们常在讨论中国架上绘画的图像化的问题，也就是艺术表达太过依赖表层的图像创新，而绘画本身缺乏深度。&br&&br&一些朋友疑虑印刷品对原作的色彩还原是否真的无法做到近乎一样，又或者细微的颜色差距是不是真的会对观看画作有极大的影响，将回应粘贴于下：&br&&br&
从业者和非美术从业者对色彩的敏感度区别很大，两年来教成年人画画深有体会，所以有些在你看来是很细微的差别在从业者看来是非常大的。&br&&br&
即使是同样一张画，在不同的品牌的电脑显示器上都会有不同的色彩显示，做设计的朋友有一项很重要的工作就是找到一家色彩还原比较好的印刷工坊来印制产品，这都体现了在专业领域内不同印刷品，显示产品之间的色彩差别都是肉眼可见并有切实影响的。&br&&br&
如果比喻的话，应该是普通影像制品和高保真音像制品和现场音乐会之间的差距，再言之，不同的指挥家，乐团，乐手演奏同一个曲目时，也都会有可被感知的差别，也造成了古典乐发烧友对某个指挥家，乐团或者乐手的执着喜好。”&br&&br&
可以这么说，图片对原作色彩的还原度的要求根据观者个人观察目的不同而变化，但问题在于浏览图片确实会失去观察原作可以得到的色彩体验，并且，在没有视觉经验的前提下，观众又如何判断到底哪一张图片的颜色更接近原作呢？&br&&br&三，艺术感受力的损失。&br&&br&在1990年时，加拿大国家美术馆用176万美元的高价买下了纽曼（美国抽象表现主义代表人物之一）的作品《火之声》，这幅作品长这个样子：&br&&img src=&/24f1b1b932a4ecdebb713cb_b.jpg& data-rawwidth=&211& data-rawheight=&387& class=&content_image& width=&211&&&br&加拿大人民经过了跟你一样的瞠目结舌之后愤怒了，他们在媒体上质问国家美术馆为什么拿纳税人176万美元去购买这样一幅儿童都可以画出的作品，当时的媒体上出现了这样的讽刺漫画：&br&&br&&img src=&/38cf6f0f71a1ceea26a159c_b.jpg& data-rawwidth=&3264& data-rawheight=&2448& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&3264& data-original=&/38cf6f0f71a1ceea26a159c_r.jpg&&&br&现在不论这幅作品是否值得这个价格，这件事有趣在于，其实这幅作品在1988年加拿大国家美术馆刚刚建成之后就被借来挂在了美术馆的大厅，而两年间没有任何参观者质疑这样一幅作品，甚至他们非常理解这幅作品的优点，简明大方现代艺术作品，两方的深蓝色将中间的红色烘托得明艳夺目，与国家美术馆现代性的风格也搭配地和谐而统一。&br&&br&&img src=&/733aa4dabc80d17577cfa6d1b97d4f77_b.jpg& data-rawwidth=&368& data-rawheight=&479& class=&content_image& width=&368&&&br&&br&虽然这件事之后一直有争论，就像抽象表现主义整体都让人充满了疑问一样，但当人们站在作品前时的心里感受和拿着小小的作品图片时的心里感受一定有着巨大差别，图片给人带来的感受一定受到尺寸的限制。再例如上文中我提到过伦勃朗的代表作《夜巡》，你如果先前不知道这幅画，一定不会注意到它，因为图片的力量实在太微弱了，《夜巡》实际有多大呢：&br&&br&&img src=&/3d9b80d1ffed_b.jpg& data-rawwidth=&500& data-rawheight=&318& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&500& data-original=&/3d9b80d1ffed_r.jpg&&&br&如果你是路过这样一件作品，艺术的力量必然会让你停下脚步定睛观看。&br&&br&再说个反例，几乎人人都知道达芬奇的代表作《蒙娜丽莎》，但我身边去卢浮宫看过原作的朋友都向我表达过失望的情绪，他们觉得这样一幅伟大的作品真迹必定是震撼人心的，然而实际他们看到的景象是这样的：&br&&br&&img src=&/90fbb53ee83ab429ea3c2_b.jpg& data-rawwidth=&690& data-rawheight=&460& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&690& data-original=&/90fbb53ee83ab429ea3c2_r.jpg&&&br&《蒙娜丽莎》的尺寸是77*53cm，算是比较小的作品，而它的名气又过大，所以使不少慕名去看的普通观众感受到了莫名的失望。（我没有说《蒙娜丽莎》不是一件伟大的作品）&br&&br&所以原作给人带来的感受是图片无法替代的，而艺术对于普通人的影响却常主要来自于作品对他视觉体验上的感动。同样的一部电影，在笔记本上看，在家庭影院上看，在电影院中看，在影院imax3D上看，有着完全不同的体验。在我认为，这是观看原作和图片的最大差别。&br&&br&全文完&br&谢谢观看~~&br&有问题可以讨论
很多人会赞美梵高用色之美丽，但当我在网络上搜索梵高的名作《星空》时，得到了如下结果：好了现在请告诉，我该赞美，或者相信哪一幅的颜色呢？可见最大的问题在于失真，图片对于原作的还原受到各种因素的限制，导致我们不能从图像上去获取原作的准确信息。…
高票几个答案把『可见』的差别说的很好了，我来说说『不可见』的差别。&b&看一幅画，看到的不仅是画面，还包括了画作的在场（presence），画作所传达的创作者的在场，以及审美体验中审美者自己的在场。&/b&&br&&br&1. 创作者的在场&br&&br&艺术品不仅是作为『物』的存在，同时也是创作者在场的证明。例如波洛克的滴画，每一笔都是创作者的行动本身，而行动必须还原为『行动本身』的尺度，创作者的在场才能被还原。而从屏幕上看，脱离了原画的尺度、笔触，波洛克的滴画便不再能凝聚起The man in action.&br&&img src=&/ca4a07bf4e0cbbf5c06c_b.png& data-rawwidth=&500& data-rawheight=&346& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&500& data-original=&/ca4a07bf4e0cbbf5c06c_r.png&&&br&&img src=&/26cf86c2ca472b02be57d_b.png& data-rawwidth=&600& data-rawheight=&400& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&600& data-original=&/26cf86c2ca472b02be57d_r.png&&&i&上图：波洛克作画&a href=&///?target=http%3A//www.cs.cityu.edu.hk/%7Ebodybrush/bb_pic/jackson.jpg& class=& wrap external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&&cityu.edu.hk 的页面&i class=&icon-external&&&/i&&/a&&br&下图：波洛克在MoMA &a href=&///?target=http%3A//www.moma.org/explore/inside_out/inside_out/wp-content/uploads/2015/12/EDU_MoMA_Gallery_Session_Pollock003.jpg& class=& wrap external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&&moma.org 的页面&i class=&icon-external&&&/i&&/a&&/i&&br&&br&2. 审美主体的在场&br&&br&艺术品的『在场』包含了距离感，而这个距离感既包含了艺术品及其所在场所，又包含了审美者自己的存在。而印刷品与屏幕上的画作因与审美者处从未共享一个维度，这种距离便失效了。换句话说，你与作品的关系是被纳入作品与空间的关系本身的。而作品只有在被观众『直面』时，它的在场才被包含进审美体验中。&br&&img src=&/ce5f88b597d608f2a399ac_b.png& data-rawwidth=&480& data-rawheight=&360& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&480& data-original=&/ce5f88b597d608f2a399ac_r.png&&&i&图片：Rothko Chapel l&a href=&///?target=https%3A///vi/2_K0L1bW6Rk/hqdefault.jpg& class=& wrap external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&& 的页面&i class=&icon-external&&&/i&&/a&&/i&&br&&br&3. 灵韵的在场&br&&br&14岁第一次去卢浮宫，一进去就直奔三大镇馆之宝。顺着一路上指向蒙娜丽莎的指示牌走，每经过一个，人流便增大一点；随着距离越来越近，分明是狂风暴雨前的预感压了过来。直到拐过最后一道转角，进入她的房间，朝圣般的气场扭曲了偌大的空间。我至今再没见过那样的艺术馆陈设--小小的蒙娜丽莎挂在空的不相称的墙上，保安稍拉远，而拥挤的人潮渐次围拢成一个圆。&br&&br&那是一种过于奇怪的空间，以至于任何见过她的人都会瞬间明白，没错，只有她镇得住这样的空间。当你在无数的画册、电视节目、T恤衫、海报、马克杯上看过她的笑容后，你便明白这空间是她和她亿万图像共同构筑的。所以只有她镇得住这里，此话绝无虚言，不仅是卢浮宫这一个场所，她还镇住了通向她的每一个指示牌，每一级台阶，从玻璃墙内到塞纳河畔，一整个巴黎城，包括走向她的每个人。&br&&img src=&/b78b0a2a3e838c48c8d300_b.png& data-rawwidth=&960& data-rawheight=&640& class=&origin_image zh-lightbox-thumb& width=&960& data-original=&/b78b0a2a3e838c48c8d300_r.png&&&i&图片：蒙娜丽莎 &a href=&///?target=https%3A///static/uploads/photo//19/09/da-vinci-_720.jpg& class=& wrap external& target=&_blank& rel=&nofollow noreferrer&& 的页面&i class=&icon-external&&&/i&&/a&&/i&&br&&br&其实隔着那么多人，要说细节只怕还比不上网上的图片。但有一点确信无疑是那个场所特有的：她的灵韵(在此借用一下本雅明aura的概念)。一幅画所携带的历史信息是围绕在画框上、飘散在她周身的。只有那幅画能把每一个膜拜过她的人都封存在自己的灵韵中，也只有当你踏进她的管辖范围，封存在那里的一切才能再次被触发，被感知。&br&&br&评论里有人质疑，蒙娜丽莎面前那么多只顾着照相顾不上欣赏画的人，真的还能带给人『蒙娜丽莎&br&』所特有的灵韵么？我倒觉得，正因为是蒙娜丽莎，才有那么多麻木的人流水般匆匆而过，那种浮躁正是蒙娜丽莎之于21世纪的特征。离她不到5分钟远的那幅自由领导人民前竟只寥寥几人；同是所谓『名画』，蒙娜丽莎前那些麻木游客的手机更是证明了蒙娜丽莎不仅是“名画”而更是一种“符号”了。在机械复刻时代，她是作为符号而不仅仅是作为艺术被传播的。&br&&br&所以21世纪的她的灵韵中，既包含了审美价值，也包含了浮躁，更包含了附庸风雅和到此一游。&br&&br&你可以在印刷品和屏幕上与蒙娜丽莎的图像半路相会，就如同将世界降维到世界的投影，而一切路途都被缩减成一个点，诠释的权威也被分散到每个人手中。难说是好是坏，只是有得必有失。
高票几个答案把『可见』的差别说的很好了，我来说说『不可见』的差别。看一幅画，看到的不仅是画面，还包括了画作的在场（presence），画作所传达的创作者的在场，以及审美体验中审美者自己的在场。1. 创作者的在场艺术品不仅是作为『物』的存在，同时也是…
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万物皆虚，万事皆允。