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您可以试试：　　一、音程的理性认识　　大多数人在音程听辨练习中忽略了这样一问题，即是很多学生对音程的构成、性质、协和程度、转位、等音程等等基本理论知识仅停留在书本上和练习中，不能熟练地在听辨练习中进行运用，看似是一个基本乐理的问题，其实是解决学生音程听辨的又一个关键所在，理论知识要与听辨练习结合起来进行，理论是指导实践的基础，任何没有理论指导实践的练习，都是徒劳的，将会出现学生只会做音程的题目，而不会听辨音程的不正常现象。所以，要求学生.理论上的知识一定要理性的掌握，并能在听辨练习中灵活自如的运用。　　二、音程的感性认识　　学.生能准确快速地说出音程的级数、音数、性质、协和程度、转位、等音程等相关知识，再进行音程的听觉、摸唱、听记等训练，会起到事半功倍的效果。　　1、单音的音高听辨训练　　单音音高听辨，特别是白键盘上的自然音级听辨，在音程的听辨练习中是基础，是听、唱、记好音程的前提。接触过很多的考.前.生，往往他(她)们的听辨能力难已达到一个较高地水平，其主要原因是白键盘上的音过不了关，不能牢牢地记住音高。而且越是较协和的音程越易混淆。解决的办法是：　　建立标准音高概念，必须牢记，时常和标准音校对音高。　　任意地弹出f-g2上的白键音高，速度从慢到快，进行听、唱、模等练习。　　结合音阶和和弦的构成进行训练。　　易错误的音高单独经常性地训练。久而久之，学.生一般会在一定的时期内，能快速准确地说出白键盘上的音高，为下一步听辨音程打下基础。　　2、音程的构造训练　　有了单音的基础，就可以把两个音为一组，用分解的办法，由慢到快的训练。其道理是：学生首先在慢速的状态下，听到的音响效果是先后呜响的两个音，即旋律音程，随着熟练程度的掌握，速度的加快，快速分解的两个音程便接近同时鸣响，即和声音程，其速度、难度要因人而异。音程的度数、性质及协和程度等内容的训练，可以按同一类型或不同类型进行同一性和对比性的训练。再就是根音保持冠音移动，或者是冠音保持根音移动的训练。这种训练方法是旋律音程和和声音程的交叉混合练习，训练学生在和声音程的鸣响状态下的旋律听觉和在旋律音程的鸣响状态下的和声听觉。　　3、音程的三度搭桥练习　　三度搭桥练习非常重要，就像一弹钢琴要天天练习哈农一样，音程练习也一样，也可放在单音中进行练习，只所以单独列出来作为一项练习，也可以说三度搭桥是构唱和听辨音程的一把尺子，训练的方法是，可以在不同的白键音级上，以任何的一个音级按上下行三度构成进行搭桥练习.。　　4、音程的协和程度的听辨练习　　协和音程主要是纯一、四、五、八度的练习，这几对音程在听辨过程中，易错易混，就像两组比较靠近的色彩一样。在听辨过程中，感觉比较协和的音程，可以肯定它是纯四、五、八度，再依据音程的宽窄判断是纯四、五度还是纯八度。纯四、五度的音程依据三度搭桥进行判断。协和音程还有大小三、六度。它属于不完全协和的哪一类，它既没有纯四、五、度那样的协和，也不会象大小二、七度那样的尖锐刺耳。然后依然依据音程的宽窄来判断是大小三，还是大小六度，大小三度要直接听出来，大小六度依据三度搭桥来判断。剩下的就是不协和音程了。大小二度要求要直接唱或听出来，因为它是构成音阶的基础，大小七度同样依据三度搭桥判断。距离比较适中的不协和音程，可以直接判断它是增四度音程，即三全音。　　通过以上有步骤，有目的、有顺序、有要求的训练，且在练习的内容、速度、行进步骤的有机调控下，学生的视唱练耳会有较大的进步，当然，训练的方法，内容和步骤是多样的，因时、因地、因人都在不但的变化之中，只要有一套适合自己制定的训练方法，相信都会成功的解决练耳教学中的难题。　　听音训练　　(1)一般意义上的听音训练包括哪些内容?　　这里所说的听音训练是从技能技巧角度来概括的听觉训练。包括：　　①音阶的构唱与听辨：包括自然、和声、旋律大小调及民族调式各类音阶的构唱与听辨。　　②音程的构唱与听辨。单、复音程范围内的各种自然音程、和声调式特性音程的构唱与听辨，可以旋律音程和单个的和声音程、调内、非调内和声音程连接等形式出现。　　③和弦的构唱与听辨。各类原位、转位三和弦、七和弦构唱与听辨，分为单个和弦听辨和调内、非调内三、四部和声连接两种形式。　　④节奏听记，包含各种常规节奏、连音符、切分音的各种拍子、单二声部的六――十小节节奏听记。　　⑤旋律片段听记：高、中、低音谱号下含有各种调式、拍子、升降号的单声部、简单二声部的旋律短句听记。　　此外，听觉训练还包括音乐作品中各种使用乐器音色的听辨，调式、曲式结构的听辨等，在这里我们不过多讨论。　　(2)听音训练中应注意哪些问题?　　①构唱与听音的紧密结合，构唱在先，形成听觉印象和准的音高概念，再听辨。　　②对于有绝对音高听觉的人要多注意掌握、和弦的结构，重视音响色彩感觉及和声、调式功能听辨力的培养;固定音高较差但对音高感好的人要多练习利用参考音听辨固定音高。　　③听音训练更要注意循序渐进，多用比较式的方法。如：和弦和其本身结构内的音程的比较;音程的原位形式与转位形式音响效果的比较;同性质、音响效果相似的音程、和弦音响效果的比较;不同性质、音响效果反差大的音程、和弦间的比较等。练习可以改错，构唱多种形式出现。　　(3)如何构唱听辨音阶?(略)　　(4)如何构唱音程?　　构唱音程可与音阶构唱相结合，除大小二度音程外，其他音程的构唱都可通过搭桥法来进行，例如：旋律 五度音程，多以三度搭桥法 　　 　或以转位法用纯四度来练习纯五度构唱。　　如对广音程的构唱音准掌握不好可将所构唱的音程尽量采取二三度叠加的搭桥形式如大七度构唱。 　　 　　这种方法也适用于复音程的构唱。　　(5)如何听辨音程?　　音程听辨是听音训练的基础，对于和弦、旋律以及复调的听记有着重要意义。　　①首先根据协和、不协和音程的有关概念将八度内的自然音程划为几类：　　完全协和音程：纯一、纯八、纯四、纯五度。纯一、纯八度和声音程音响最为融合，色彩空洞单调，旋律纯八度音程具有大跳、开阔的特点。和声纯四、五度音程也比较空洞融合，但相比之下，纯四度生硬些，纯五度更为开放明朗。旋律音程的上行纯五度有主-属进行特点，纯四度有属-主进行特点，而且多见于终止式的低声部，显得刚毅坚定、收束感强烈。　　不完全协和音程包括大小三六度，互为转位音程，其中大小三度旋律音程，形成独特的小跳效果，和声音程的大三度明亮坚定，构成大调式特性。小三度柔和暗淡，构成小调式特性，大小三度是构成各类和弦及多声部音乐的基本音程，为狭音程。大小六度旋律音程具有典型大跳特点，和声六度音程音响协和而丰满为广音程，大六度音程明亮，小六度音程柔暗。　　不协和音程包括三全音和大小二七度。三全音即增四、减五度音程，因其不稳定所以音响效果紧张、不协和，有强烈的倾向性，调式内的增四度有扩张感，减五度有内敛性。大小二度旋律音程因由两相邻音级构成而形成流畅、优美的级进效果，听起来大二度更优美、静谧，小二度根音更具依附感，二者同为狭音程。和声大小二度音响效果极不协和，二度尤其尖锐、刺耳。大小七度因其两音跨度大而有跳进效果为广音程，旋律大七度是八度内最富动感的音程，常伴有上行小二度解决，小七度下行解决;和声性大小七度，尤其大七度的紧张度和倾向性也更强烈。　　如果对以上这些音程的音响特点掌握不熟练，也可就你所知的含有所需音程的旋律片段帮助记忆。　　大小二七度与三全音在听辨时由于其音响效果相接近极易听转位，所以必须从音高，音调等方面仔细加以区分。　　②以狭、广音程概念及上述的各音程音响特点等进行具体听辨，如辨其音响色彩确定为不完全协和音程;因跨度大，确定为广音程;这时通过构唱音高，考虑其色彩的明亮与暗淡，确定为小六度。参照弹此音程前所给的标准音确定为　　③如何听辨复音程?　　复音程的听辨是听写二声部、听辨三声部、四声部开放、密集排列和弦及和声功能进行的基础，在听辨时，它的音响分类，构唱要求与单音程一样，由于实际需要，复音程构唱重点是大小九度，而大九度的冠音常上行或下行级进解决，小九度冠音下行半音解决，旋律九度也是个富有动力性的音程，和声小九度比和声大九度更为尖锐。　　④如何听辨调内和声音程连接?　　如：除要掌握前面所讲的各音程的音高、调感、音程性质、音响色彩，还应抓住两声部各自的横向流动，各声部与参考音、调式主音之间的关系，另外还要考虑到调内音级的稳定程度及解决。　　⑤非调内音程的连接应注意哪些方面?　　非调内音程连接是听音训练重要内容，因难度较大，在这里主要介绍旋律音程的连接。非调内音程连接是听音训练重要内容，因难度较大，在这里主要介绍旋律音程的连接。首先是熟练掌握各类旋律音程的构唱,其次是掌握旋律音程的色彩和横向流动的特点。　　
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　　电吉他学习中的练琴十忌　　1：如果节奏和基础动作有问题，那么其他方面也不会好到那里去。　　2：任何一个基础动作练习不好，都会导致将来的一系列问题。如手指　　到位不好、不够直立压弦，那么除了演奏把握性会受影响，圆滑音的　　质量也没有保证，然后所有关于圆滑音的装饰音也同样会有问题，左　　手独奏也会变的极难弹奏了。　　3：为一首乐曲确立指法前非常谨慎，指法对弹奏的影响比一般习琴者　　认为的要重要的多。但是一旦确定了指法，那么在以后的练习里一定　　要严格做到，尽快的养成弹奏习惯。　　4：不要随便的否定或接受书上其他演奏者的指法标注，一定要明白一　　个指法的含义以后再接受它或否定它。如有没有声部连接、音乐色彩　　、方便演奏等等的意义。　　5：一个不好的指法常常包含了指法连用，安排指法时候要特别的注意　　。所谓指法连用就是右手的同一指接连的使用（除了p指），所以一定　　要交替使用；左手同样有这个问题：同一弦上的的同一指可以连用，　　但是不同弦之间的一定尽量避免。　　6：每个阶段以至每次的练习都要有清晰的目的，如果练习的是音阶，　　那么可以考虑练习目的是音阶的起伏还是速度或是其他的目的，然后　　再考虑通过什么样的手段练习才能达到这个目的，这样的练习才能算　　是高效率的练习。　　7：如果练习时间不很多，但是又有几个练习类型要练习，那么应该一　　次就集中练习一个类型，下次再集中练习另一个类型，这样的效果要　　好于一次练习好几个不同类型的练习，同样的道理也适用于乐曲的练　　习。　　8：慢速练习对于练习的意义是非常大的，但是要注意在慢速的练习时　　，音乐的乐句呼吸和起伏同样也要做出来，不然到了乐曲正常的速度　　的时候，这些就会因为养成了习惯而做不出来了，而且因为慢速练习　　在练习里占很大的成分，如果不注意音乐表情，将会养成很不好的习　　惯，慢慢的音乐就会失去活力。　　9：在不能准确的完成乐曲的每一乐句的节奏下，先不要做一些自由式　　的处理。任何一个演奏家对某一部分自由处理时，他也可以弹奏那个　　部分的准确节奏，在明白准确节奏的基础上做自由处理，才是有源之　　水。（p.s其实大部分的西方音乐可以做的自由处理并不是象一般琴友　　想象的那么多。）　　10：时常可以见到很多琴友问如何去选择练习曲或乐曲，没错“选择　　什么”是一个重要的问题，但更重要的是“如何弹奏”，就是说用什　　么样的方法来练习或演奏；而最为重要的是“表达什么”，即使有很　　好的乐曲，有很好的技术去操纵它，但是如果忘记了要“表达什么”　　，这样的音乐也是毫无意义的。其实这种情况在器乐演奏相当的常见　　；由于器乐的演奏技巧具有相当的难度，为了完成好一个乐曲，我们　　会对很多技术或处理的细节花费大量的精力和注意力：”谨毫发者失　　仪“，在对细节雕琢中，我们忘记了我们为什么要演奏音乐了、、、　　、、也就是常说的：他在弹奏，但是他不知道他在做什么。所以，任　　何时候我们不要忘记我们弹奏的音乐要表达什么，如果实在无话可说　　，那么还不如保持沉默。
　　练耳教学中和弦听辨的感觉训练　　和弦是由三个或三个以上的音按照一定的音程关系组合而成的。其构成以音程为基础，在音的数量上比音程要多。因此，听辨起　　来比音程更为复杂困难。在练耳课上，不少同学最怕听辨和弦，往往掌握了高音却把握不住低音和中音，或者在和弦性质上混淆大小三和弦　　、增减三和弦等。听辨和弦除了要求有清晰的音高外，还要有明确的色彩感。与音程一样，在听辨和弦之初，首先要牢记各个和弦的结构与　　色彩，然后记住C调内各种代表性和弦的原位和转位的音高感觉。打好了这样的基础后，才能逐步过渡到听辨带变化音级的复杂和弦。　　与音程一样，首先要熟记各个和弦原位和转位的结构，要了解各和弦自身具有的不同的色彩表现。如大三和弦明亮、饱满有力、协和;　　小三和弦柔和、暗淡，稍有些不稳定;减三和弦不协和、不稳定，有点像收缩的感觉;增三和弦不协和、不稳定，有点像“膨胀”的感觉;但　　所有七和弦都不稳定不协和，原位比三和弦多了个七度音程，转位多了个二度音程。其次，心中应该有和弦内几个音的首调音高感，如do　　-mi-sol这三个音的感觉，就是大三和弦。如果是la-do-mi这三个音，那就是小三和弦。一个和弦有好几个音，其中难以听清楚的是低音　　，最易听错的是中音。所以听的时候特别注意低音与中音，听辨了低音后，根据标准音仔细推出它的固调唱名是什么。与此同时，根据色彩　　感分清和弦类型，每一种和弦结构记一个基本和弦的感觉。如大三记住1-3-5，大六记住3-5-i，大四六记住1-4-6，小六记住1-3-6，小四　　六记住3-6-i等。学生掌握了每一种基本和弦的结构和音高色彩后，在听辨与其相同结构而音高不同的和弦时，就可以通过低音与和弦性质　　听辨出和弦的各个音了。　　在练习听辨和弦时，除了感觉的体会外，还可利用对比的方法。即先把原位大三和弦与小三和弦作对比，仔细辨别其不同结构、音变、　　色彩，再把大六与小六作对比，大四六与小四六作对比，听听，唱唱，感知彼此之间的不同。最后把原位和弦与转位和弦大三与大六、大四　　六对比，小三与小六、小四六对比，仔细听辨这三个音的排位及不同效果。　　此外，为了区分同低音不同结构和色彩的和弦，还可以由同一低音向上或向下分别构成三、六、四六、属七和弦等，仔细听辨其细微的　　差别。为了取得更好的学习效果，在把握以上听辨方法后，听辨和弦还可以按照以下学习顺序进行练习：(1)模唱分解和弦;(2)辨别分解和　　弦的性质;(3)模唱柱式和弦;(4)辨别柱式和弦的性质。
　　如何在业余时间学乐理！　　学习乐理在您下功夫学乐理之前，请确定您能唱准音阶（上行、下行　　），并能打准基本的节拍（四四拍、八六拍啥的）。如果您努力了一　　段，却做不到上述两点，那您的天赋不在这里，又或者您有希望被培　　养成一个很好的听众。　　大家业余学乐理不会很系统，也不必系统。因为研究的多了，也就自　　然融会贯通了。想学好乐理得需要一本参考书，有个叫李重光的人写　　的乐理书很适合业余学习，大家不妨买本看看。弹吉他的人学乐理的　　第一课应该是调弦，调弦的方法一般的吉他教程中都有，但这个基本　　功不一定所有人都掌握了。　　以下说说我自己的乐理学习过程和体会，仅供参考。　　我学乐理是从识谱、视唱开始的，我相信很多人都是这么开始的。我　　的做法是找一本歌本或是民谣吉他教程，把我会唱的歌都用唱名来唱　　。一开始可以一句、一句的走，先唱歌词，在翻过来唱谱。这个练习　　的目的：一是在头脑中建立音程关系的概念，就是逐步熟悉诸如1 3、　　3 6、2 5等各音相距多少；二是熟悉各种音型、节奏型的唱法，比如　　附点、切分等等。　　用唱名能唱十几首歌以后，我就在歌本上找我根本不会唱的歌，直接　　唱谱，然后再填词，也就是视唱。开始你可能老半天也唱不下来一句　　，你得慢慢的来。但要每个音的音高、时值都力求唱准，这个过程需　　要勇气与耐心。　　如果你能做到本帖开头说的那两点，那视唱也是很容易的。比如看到　　谱子上第一个音是1，第二个音是5，你唱完第一个1音后却不能准确唱　　出第二个5音，那你就1、2、3、4、5这样唱音阶找到5，然后唱1、5　　两个音，并不厌其烦唱100遍，1、5两个音的音程关系就印在你的脑子　　里了，以后再遇到这两个音也就很容易唱出来。其他各种音程也是这　　样练习，常见的音程有限，不用多久我就能对一般乐谱进行视唱了。　　但那个把歌翻成唱名来唱的练习也经常会做，唱起来挺有趣的。　　与此同时大家要读读乐理书上的内容（李重光的书都很薄，很好读）　　，作书上的各种练习，这些练习都很容易的。　　会视唱也就有了一个好的开始，之后我的第二台阶是听音记谱。就是　　听到某个没听过的歌时，一边听，一边把它的主旋律的谱子写出来。　　这个过程有点长，我也没想明白自己是怎么过这一关的。我只记得我　　有段时间总在哼哼《同桌的你》这首歌的头两句，想把它翻成谱子来　　唱，但就是感觉不出用的是哪几个音。后来，我有天随便唱了一个谱　　子里边有5 5 5 5 3 4 5这几个音连在一起，我唱了一下就忽然感到　　，这不是《同桌的你》的第一句吗？之后也就迫不及待的马上哼后面　　的乐句，然后把音都用谱子记下来，当时感觉很爽，特有成就感。第　　二天拿着谱子给我一个懂乐理的老师看了下，除了一些记谱错误，音　　都找对了。能听音记谱应该是个较大的跨越，因为这是能即兴伴奏的　　基础。也就是说只有听出歌者唱的是哪些音，并判断出是什么调，才　　能决定用那些和弦伴奏。　　第三个台阶就是结合扒带学习和弦。能听出主旋是什么音之后，我就　　开始试着听伴奏中吉他部分演奏了些什么音，并把他们记下来或用吉　　他演奏出来，也就是扒带。开始当然找简单的曲子扒，比如 《白桦林　　》《同桌的你》啥的，主要是伴奏乐器较单纯，吉他声音较明显。　　自从知道了和弦的含义后，便了解了歌中的伴奏是以和弦为单位组织　　的，我就开始利用扒带研究和弦了，主要是听各种和弦的构成音，感　　受、记忆他们的色彩，并看在原配中该和弦是怎么运用的，能否用其　　他和弦代替等等。和弦是丰富多彩的，七和弦、九和弦、十一和弦、　　各种代理和弦、掺杂了各种经过音的和弦，再结合不同的节奏型和演　　奏技巧，真是变化多端，越玩越爽。　　第四个台阶，就是扒总谱、编曲、指弹。现在很多歌曲伴奏都是由电　　声乐队担任的，基本是四大件：鼓、吉他、贝司、键盘。期间，还穿　　插着很多音效、小打、弦乐、和声等等，能把总谱写出来，真的对你　　的耳朵和乐理素养是个极大的考验。而对我们这些喜欢原声箱琴的人　　来说，就总想着把这些元素尽量用一把吉他表现出来，于是除了扒带　　，接下来就是吉他编曲了。这里就有和弦走向、调弦法，节奏型，和　　弦经过音的使用，音色、力度、速度的安排，前奏、间奏、尾奏的设　　计，拍弦、闷音、敲扳等技巧的运用等等，总的感觉你既是一个指挥　　，又是一个身兼数职的演奏（唱）者，真的很有挑战性。而这些过程　　的实现都需要乐理的支持，基本上还就是那句老话“理论与实践相结　　合”，学了半天乐理还是要用的，亲自编一些东西再回来看理论，体　　会更多。　　在这一台阶我也是刚入门，我想突破的方法只有多听、多做、多动脑　　。听真的很重要，任何音乐都会对你的弹奏有所启发，不断的开阔耳　　界总能使你更有创意；亲自编曲的提高会很大，有很多吉他弹奏上的　　细节只可意会，只有亲自做过才能体会到。
　　如何在业余时间学乐理！　　学习乐理在您下功夫学乐理之前，请确定您能唱准音阶（上行、下行　　），并能打准基本的节拍（四四拍、八六拍啥的）。如果您努力了一　　段，却做不到上述两点，那您的天赋不在这里，又或者您有希望被培　　养成一个很好的听众。　　大家业余学乐理不会很系统，也不必系统。因为研究的多了，也就自　　然融会贯通了。想学好乐理得需要一本参考书，有个叫李重光的人写　　的乐理书很适合业余学习，大家不妨买本看看。弹吉他的人学乐理的　　第一课应该是调弦，调弦的方法一般的吉他教程中都有，但这个基本　　功不一定所有人都掌握了。　　以下说说我自己的乐理学习过程和体会，仅供参考。　　我学乐理是从识谱、视唱开始的，我相信很多人都是这么开始的。我　　的做法是找一本歌本或是民谣吉他教程，把我会唱的歌都用唱名来唱　　。一开始可以一句、一句的走，先唱歌词，在翻过来唱谱。这个练习　　的目的：一是在头脑中建立音程关系的概念，就是逐步熟悉诸如1 3、　　3 6、2 5等各音相距多少；二是熟悉各种音型、节奏型的唱法，比如　　附点、切分等等。　　用唱名能唱十几首歌以后，我就在歌本上找我根本不会唱的歌，直接　　唱谱，然后再填词，也就是视唱。开始你可能老半天也唱不下来一句　　，你得慢慢的来。但要每个音的音高、时值都力求唱准，这个过程需　　要勇气与耐心。　　如果你能做到本帖开头说的那两点，那视唱也是很容易的。比如看到　　谱子上第一个音是1，第二个音是5，你唱完第一个1音后却不能准确唱　　出第二个5音，那你就1、2、3、4、5这样唱音阶找到5，然后唱1、5　　两个音，并不厌其烦唱100遍，1、5两个音的音程关系就印在你的脑子　　里了，以后再遇到这两个音也就很容易唱出来。其他各种音程也是这　　样练习，常见的音程有限，不用多久我就能对一般乐谱进行视唱了。　　但那个把歌翻成唱名来唱的练习也经常会做，唱起来挺有趣的。　　与此同时大家要读读乐理书上的内容（李重光的书都很薄，很好读）　　，作书上的各种练习，这些练习都很容易的。　　会视唱也就有了一个好的开始，之后我的第二台阶是听音记谱。就是　　听到某个没听过的歌时，一边听，一边把它的主旋律的谱子写出来。　　这个过程有点长，我也没想明白自己是怎么过这一关的。我只记得我　　有段时间总在哼哼《同桌的你》这首歌的头两句，想把它翻成谱子来　　唱，但就是感觉不出用的是哪几个音。后来，我有天随便唱了一个谱　　子里边有5 5 5 5 3 4 5这几个音连在一起，我唱了一下就忽然感到　　，这不是《同桌的你》的第一句吗？之后也就迫不及待的马上哼后面　　的乐句，然后把音都用谱子记下来，当时感觉很爽，特有成就感。第　　二天拿着谱子给我一个懂乐理的老师看了下，除了一些记谱错误，音　　都找对了。能听音记谱应该是个较大的跨越，因为这是能即兴伴奏的　　基础。也就是说只有听出歌者唱的是哪些音，并判断出是什么调，才　　能决定用那些和弦伴奏。　　第三个台阶就是结合扒带学习和弦。能听出主旋是什么音之后，我就　　开始试着听伴奏中吉他部分演奏了些什么音，并把他们记下来或用吉　　他演奏出来，也就是扒带。开始当然找简单的曲子扒，比如 《白桦林　　》《同桌的你》啥的，主要是伴奏乐器较单纯，吉他声音较明显。　　自从知道了和弦的含义后，便了解了歌中的伴奏是以和弦为单位组织　　的，我就开始利用扒带研究和弦了，主要是听各种和弦的构成音，感　　受、记忆他们的色彩，并看在原配中该和弦是怎么运用的，能否用其　　他和弦代替等等。和弦是丰富多彩的，七和弦、九和弦、十一和弦、　　各种代理和弦、掺杂了各种经过音的和弦，再结合不同的节奏型和演　　奏技巧，真是变化多端，越玩越爽。　　第四个台阶，就是扒总谱、编曲、指弹。现在很多歌曲伴奏都是由电　　声乐队担任的，基本是四大件：鼓、吉他、贝司、键盘。期间，还穿　　插着很多音效、小打、弦乐、和声等等，能把总谱写出来，真的对你　　的耳朵和乐理素养是个极大的考验。而对我们这些喜欢原声箱琴的人　　来说，就总想着把这些元素尽量用一把吉他表现出来，于是除了扒带　　，接下来就是吉他编曲了。这里就有和弦走向、调弦法，节奏型，和　　弦经过音的使用，音色、力度、速度的安排，前奏、间奏、尾奏的设　　计，拍弦、闷音、敲扳等技巧的运用等等，总的感觉你既是一个指挥　　，又是一个身兼数职的演奏（唱）者，真的很有挑战性。而这些过程　　的实现都需要乐理的支持，基本上还就是那句老话“理论与实践相结　　合”，学了半天乐理还是要用的，亲自编一些东西再回来看理论，体　　会更多。　　在这一台阶我也是刚入门，我想突破的方法只有多听、多做、多动脑　　。听真的很重要，任何音乐都会对你的弹奏有所启发，不断的开阔耳　　界总能使你更有创意；亲自编曲的提高会很大，有很多吉他弹奏上的　　细节只可意会，只有亲自做过才能体会到。
　　系统的唱歌发声训练　　歌唱时的发声和说话时的发声是不完全一样的，说话式的唱歌或放大了的说话，都是不对的，这会没有色彩，不是音乐化了的发声。所以说说话的发声是不能适应歌唱的的需要的，我们必须讲究发声方法，帮助学唱歌的人把普通的声带磨炼成能发出优美、动听、有持久力的合乎科学方法的、有艺术感染力的声音来。　　1、 喉头和声带　　喉头和声带，是歌唱的发声器官，是歌唱的核心部位，是通向整体歌唱的要塞，是打开歌唱艺术宝库的金钥匙。因此，了解和搞清喉头与声带在歌唱时应处的位置和状态是非常必要的。　　一般来说，歌唱时喉头位置应该比平时说话时偏低一些（就像我们深吸气时的喉头感觉，因为吸气时的喉位，比静止时的喉位略低一点）有很多人把喉头处于吸气时的位置称为“水平位”。　　在歌唱时字与字、句与句的转换中，喉头要始终处于这一位置，而不应做离开水平位的向上、向下，或向左、向右的移动，当然喉头位置的稳定是在运动中的相对稳定，而不是僵死不动的稳定。就像浮在水面上的皮球永远稳定在水面上的道理一样，若把皮球比做喉头，皮球浮在水面的状态就好像喉头稳定在吸气位的状态一样。所以歌唱时的喉头位置应始终处于低而自如的稳定位置和喉头壁打开的状态。　　2、 打开喉咙　　在歌唱训练中“打开喉咙”是十分重要的中心环节，它直接影响到声音的好坏。“打开喉咙”也就是将喉头稳定在正确的位置上，口盖积极向上收缩成拱形，舌根放松，平放在下牙齿后，牙关打开，下巴放松自然放下而稍后拉，这时候的喉咙是打开的。那么如何能帮助初学者“打开喉咙”呢？　　1）“打哈欠”的状态 　　“打哈欠”状态可以让口腔打开自然，放松，口盖抬起，口腔内空间增长增大。所以在唱歌时，咽喉不要闭塞，要使咽喉张开，让气息自如地送出来，“哈欠”状态确实是打开喉咙的好办法，也使歌唱者保证了一个很好的演唱状态。　　在平时练习时，还可以用闭嘴的“打哈欠”，闭口打哈欠的时候，里边的状态也是开的、抬的，如果我们在唱歌的时候都能保持这个状态的话，那你的声音就不会是“白”的、“扁”的了，你的声音就会是“竖的”、“圆的”了。　　2）用“微笑”状态来打开喉咙 　　我们讲的“微笑”不是光笑，而指的是把“笑肌”抬起来。“笑肌”抬起是要鼻、咽腔打开，大牙关打开，面部两边的笑肌（颧骨）呈微笑状，这样的微笑状态可以使你的喉咙打开，可以使你获得高位置的声音。“歌唱状态就是里边的哈欠，处头的微笑”，这话很精辟。　　3、 良好的中声区　　中声区是唱歌的基础，没有良好的中声区，就谈不到其他的一切。我们应当重视中声区的练习，多在中声区下功夫，不要急于唱很高的音。　　练习时，我们先从中声区以中、小音量练习开始，经过相当一段时间的巩固以后，再慢慢向较高一点或较低一点的音域发展，初学者一定要遵循由易而难的循序渐进的原则，否则一开始就猛练高音，不但不会获得正确的高音，反而会毁坏声带。　　中声区应该靠前，明亮，轻松流畅，不费力，这样才能往上发展，为演唱高音打开通路。中声区的声音不要强求音量，而是要自然自如，要求音色优美和声音的灵活性。每个声部的重要音区都是中声区。　　中声区要做到吸气深，呼吸力求自然，有弹性，积极向上，有支持点，喉头稳定松驰，不论唱高、低不同的音，喉头的感觉都在一个位置上，声音要往外送，但又要使声音从头到尾保持在同一音型和位置上。我们常比喻说“声音要像穿珍珠一样，把每个音穿在一条线上”等等，就是说声音要连贯、统一、圆润。　　4、 关于换声区　　当你从低音往上唱时，唱到一定的地方，就会感到困难，容易卡壳，这就是到了换声区了，这时，你必须运用某种方法才能继续入上唱。歌唱者首先应基本掌握了虽声区的唱法，然后因人而异地作具体调整。　　有几种方法大家可以实践一下：　　1）“倒抽一口气”的动作 　　就是歌者在唱到换声的音时（发元音的同时），做一个倒抽一口气的动作，好像“吓一跳”的生理状态，让喉头稍向下，向后退让，以使口咽腔充分打开，同时将中声区歌唱时向上齿龈背后发送的气息，随着音高逐渐向上挪动，嘴也随着逐渐张开，此时声音感觉更向上，向更远的前方发送。这时声音就自然地进入了换声区。　　2）母音转换手法 　　就是在唱到换声区的时候提前让声音掩盖一点，声音暗一点，出气量小一点，小舌头抬起一点。在碰到换声点时，有一点必须强调指出，就是你感到声音唱上去困难时，甚至声音感到要出现破音时，千万不要变化发声器官的形态，不要乱动，乱使劲，一定要坚持迎着声音唱下去就可以了。　　其实换声点的总是就是一个“混声”的问题，就是真假声结合的问题。掩盖一些的声音就是有了假声的成分，但又不能全假，必须与真声混合在一起，声音的衔接才不会有痕迹，声音才不会虚和空。所以学会换声点的过渡也就学会了假声的唱法，而假声位置对唱歌、解决声音的统一是大有好处的。　　5、 高音区的练习　　高音区常常在作品的高潮中出现，有着激发听众情绪、振奋人心的力量。唱好了高音，会给整个演唱增添光彩。因此，具有响亮的、金属般的高音对歌唱者来说是非常宝贵的，在找到了自然声区，打好了中声区的基础，又掌握了换声区的技巧后就可以进行高音的练习。　　唱高音时，两颧骨要更积极开放，整个歌唱状态要更加积极向上，兴奋。随着音高向上，下颌需要松弛地向下，向两侧向后拉；小舌头提起如打哈欠似地吸住气，使喉咙更加打开，喉头不可随音高往上移动，而是相反，逐步下降，保持在吸气的状态，当然这个状态必须有气息的支持。唱高音的方法是训练中的一个难点，在不断实践的基础上，也已经总结出了很多行之有效的方法，但每一种方法都要因人而宜，采取适合自己的有效途径和方法。　　第一个就是支点提法：在唱歌的时候好像声带不长在喉咙里，而长在了胸口，唱每一个字都不要离开这个支点，嘴放松唱，这样把注意力往那儿一想，一下子声音就得到平衡了。这种方法可以解决好几个问题：如果唱高音喉头容易上提的话，你一想到胸口就不想喉头了，支点一低，喉头也自然放松，下放，喉头放下以后，喉咙自然打开。还有声带都有长在胸口处，气息当然就不能超过声带，那一定在胸口的下面，气息也就往下沉了，稳定了。这基本是找到了正确的发声方法。　　第二个反向提法是“喉下换字”的比喻。喉下换字的办法，就是说一般唱高音时喉头都容易高，那就在喉下一寸或者二寸左右的地方换，或者“贴着肩膀换，在脖子根换”。这样唱的时候，喉咙最容易打开，而且声音比较容易垂直，容易进入头声，容易找到高音的焦点位置。　　6、 关闭唱法　　关闭唱法一般是指男声在唱高音时，减少换声区的困难而用的一种唱法。关闭不是把声音关进去，而地要放出来。关闭要保持中声区的基础，关闭的目的就在于把中、高音区正确统一起来，这可以理解为发声器官工作上的变化，如喉咙的打开，会厌往上竖起、咽的下部适当扩张等。　　关闭唱法一般是指在中声区用较明亮的“a”逐步到“o”，到了换声区就开始用“u”，过多的“a”声音发白、扁，过多的“o”声音发暗，因此都必须在实践中适当掌握。关闭唱法是训练高音的技术有效的方法。　　歌唱的发声是歌唱发声训练制造乐器的重要方面：它需要喉头稳定，喉咙打开，声音全部搭在气息线上，没有一个音脱离这个气息的轨道，声音均匀、连贯、有力度，气息通畅无阻，声区转换时不露痕迹等等，但是歌唱是高级神经系统的活动，一个人在歌唱时的心理状态，常常能影响其歌唱质量的好坏，因此，在唱歌时，不能只孤立地强调哪一部分肌肉的生理活动方面。好的声音是整个发声机能协调工作的结果
　　如何突破练琴时间、技巧瓶颈？　　一、用心思考，倾听自己每次重复练习的结果。　　很多同学练琴的时候，都是一次又一次的做机械式的反复练习，可能他已经练了第二十遍了，可是效果比第一次都差。也就是说他费了十九次的时间，却从来不停下来思考他多练一次的目的是什么？一首曲子可能他已经背会了，还不知道所弹的曲子是什么？谁作的？什么调？什么拍号？不信？请马上自检一下哦。　　因此在练琴时，首先养成用心观察的习惯，不要随便放过任何的一个弧线，记号，然后牢牢记住。演奏时你一定要知道：　　1、每个音的意义：它是主音，经过音或是伴奏，以及在这个乐句所占的位置......等等。　　2、每一个乐句进行的过程：前后的关系，是问句，还是答句，还是连接句？　　3、每句及每段的重点：想一下，平常你讲的每一句话，有没有重点？有没有语调？音乐就如同讲话一般有抑扬顿挫，才能引人入胜至忘我境界。　　4、主题的特点及分句：要知道所演奏的主体特性是柔还是刚，乐句的划分，和在何处呼吸。　　做到以上几点，就算是了解这首乐曲了，一位演奏者必须了解乐曲，才能把音乐表现给别人，才能用音乐感染别人。　　二、技术上的练习：　　1、注意正确的指法。　　指法因人而异，有些版本的指法的确不当，所以练习前先找出正确的指法，然后每次练习都用同样的指法。好的指法会帮助你把乐句分的更清楚。开始可多参考几种版本，仔细研究其指法的差异，不久之后就会发现好的指法是有规律可循的。　　2、不要过分重视技巧而忽略音乐，更不因为放松忘了用手指及头脑来控制每一个音响。　　3、永远都要记得，演奏只有第一次。　　很多人知道错了，以为下一次便不会错，或者下一次再改吧！养成习惯后，你的第一次，不管是上课还是演奏总会失败。要知道一场演奏会是没有让我们再演奏一次的机会。所以自练琴起，每次都要当作只有这一次机会的态度，不要有下一次的念头。　　4、不要忘记，所谓“技巧”是要能演奏出正确的音，正确的拍子，达到要求的速度，选择正确的音质与音量。　　5、技巧的练习是每日不断的。大音乐家巴克豪斯八十岁手指还是灵活异常，他说“就是每天练音阶，琶音的结果”　　三、用耳朵练琴：　　1、一般学生，在练习时知道利用头脑、手指、眼睛及心中的感觉，去忽略了最重要的听觉。因此很多练过的旧曲子，听到别人演奏时，只觉得很熟，却不记得哪里听过。或者在渐强、渐弱的乐段，他感觉做到，但却没有听他做到。　　2、要用耳朵听出旋律是否清楚，音的时值是否正确。　　3、也许你的谱上已画上了许多记号，最重要的是用听觉去分析及判断。　　4、你能只看谱不拉琴，而在心中“听”音乐吗？这是读谱的重要阶段，愈早养成习惯，你就随时可以练琴，甚至新谱看过后就能演奏。　　以上几点，所强调的就是要让自己的耳朵＂听到＂自己所演奏的才算做到，也才有更深入一步了解或表现！　　如果你喜欢这篇文章，请点击右上角分享到朋友圈，与更多朋友一起享受音乐的无穷乐趣！
　　民谣吉他弹唱:弹民谣初学者的误区　　一、半声音节应注意的问题，也就是大家经常说的爬格子：　　1、刚开始不要途快，一定要有稳健的拍子，也就是使拍子的时值尽量相等，建议用节拍器；　　2、为了以后右手的发展，建议不要使用拨片，并且要用食指和中指交替的弹。当你感觉中指和食指的灵活度 已经可以时，可以使用中指和无名指交替的弹。刚开始可能比较难，但是要不厌其烦的练习 慢慢就好啦~！　　二、大横按为什么这么难？应该注意的问题：　　1、练习大横按最大的困难是指力不够，要经常锻炼指力，可用各种方法，小生练习的时候上课都拿本字典在练~ 经常弹琴的朋友 左手虎口的肌肉比平常人发达，不相信去看看你老师的虎口肌肉 呵呵~　　2、拇指的正确位置在对应的食指和中指的中间，这样最剩力~~　　3、在横按的时候 食指尽量闭开使用关键处按弦　　4、初学 建议将食指稍微往拇指的方向旋转，这样会舒服很多~ 其实小生一直用指头的正下方 也就是指肉多的地方按弦 只要指力够了 这个不是问题~~　　三、为什么别人弹的那么清楚，可是我总是弹的那么噪？　　1、吃弦深度和力度的概念，有些琴友在弹小节内的重排时 就故意将吃弦深度加大，这是错误的，力度大时 只增加力度，而不应该增加吃弦深度，这还是木琴 如果你弹电子 吃弦深度稍微大一点 全部打品 呵呵　　2、吃弦深度一般在2~3mm 左右 可根据曲子的感情色彩要求而发生变化，初学者掌握不好的时候，可靠近琴桥处弹揍，这样可以大大减小振幅　　3、扫弦时要注意角度，一般倾斜30度左右。刚开始可能会觉得往下扫角度还比较好控制，往上扫就比较难，没感觉正常 要慢慢练习　　4、扫弦时 不是手腕发力，而是手臂发力 这点一定要注意，你现在可能感觉不来，当你以后水平好啦 演奏的时间长啦 有手腕发力会特别困，手腕随着手臂的发力自然摆动　　四、联系音节时应注意的事项　　1、音节的练习是多样化的，不要单纯的只练习上行 或下行，可参考一些练习资料 也可自己编排；　　2、不能一味的光弹，要记住没每个指形的没个音的位置，这点很重要，小生犯了这个错误 现在才开始记忆个个音的位置，可把不同曲子在不同的指形上弹揍出来 来练习~ 这个练习非常管用~！
　　民谣吉他学习过程中的难点剖析　　根据我学琴多年的心得，总结出了一些在学习民谣吉他过程中的难点，希望通过对这些难点的分析，帮助初学的朋友顺利度过一个个我曾经遇到过的难关，感受到吉他带给你的乐趣。当然，民谣吉他的重要话题远不止这些，但我想，这些是你首先应该掌握的。其实关于这些弹唱技法的文章很多，但这篇文章是我在学琴过程中的一些深有感触的东西，完全是个人的心得体会，也算是一篇关于弹奏技术的随笔吧。　　民谣吉他的核心就是弹唱，围绕着“弹”和“唱”这两个简单的字，牵扯出一系列让很多初学民谣的朋友头疼的问题。这里面又数“弹”最让初学者头疼，弹好了，注意力自然放到唱上面了，唱的也就好了；弹不好，就会影响到唱的发挥，结果弹和唱都一塌糊涂。　　下面就重点探讨一下“弹”的相关内容。弹有三个重要组成部分：左手、右手、左右手配合。　　其一，左手按和弦。这其中的难点包括按和弦和转换和弦。按和弦有以下几个难点：　　1、手指延展性。按和弦难就难在某些和弦对手指之间的延展性要求比较高，初学的时候手指与手指之间撑不开，因此手指按不到位或者手指按住了，但是很费力，比较勉强，手指变形。这样的后果就是产生杂音，或者手指肚碰到相邻的弦，使相邻的弦发不出音。比如常见的C和弦，按4弦2品的中指和按5弦3品无名指之间的延展性不够，直接导致无名指按弦不到位，无名指或向下倾斜，碰到下面的4弦，影响4弦的弹奏或达不到5弦3品的品柱附近，导致弹5弦时产生杂音。　　解决办法：食指、中指、无名指、小指分别按4弦的1、2、3、4品每根手指都靠近品柱按弦，保持手指的按弦姿态就是手腕外送，垂直按弦，然后试着弹响5弦和3弦，看有没有被影响，如果有手指碰到了，调整姿态保持到左手酸痛为止，休息片刻，重复。　　2、大横按。大横按难就难在不容易顾及到被横按的全部多根弦，总有一根或几根按不住，主要是因为食指第一指节处的凹陷，这个凹陷造成了按的再用力总是有某根弦（一般都是4弦或5弦）按不住，弹不响，或者有杂音。其实横按有一个很重要的动作要领，就是食指按弦的时候向琴头方向加一点力，这样做的结果就是利用食指侧面来按弦，也就是说食指的指背不是平行于指板而是与指板形成一个角度，从而避开了那个凹陷。　　解决办法：拿F和弦举例，左手食指按住1品所有6根弦，其余手指不要参与按弦，右手顺次弹响每根弦，检验是否有没有按住的弦。如果有某根弦没有按住，那么向琴头方向加力，直到每根弦都检验通过，这时加入中指再检验一遍，通过后，再加入小指，通过后，最后加入无名指。　　其二，右手拨弦。　　1、右手拨弦的基本方式是拇指负责6、5、4弦，食指、中指、无名指分别负责3、2、1弦，但这不是绝对的，有时需要灵活对待。比如有时需要同时弹响6弦和4弦，这时拇指弹6弦，食指弹4弦其余的3、2、1弦可能就是中指、无名指和小指分别负责了。所以，遇到具体的情形时，不能太刻板，怎么方便弹奏就怎么来。至于拨片，弹奏扫弦和SOLO有得天独厚的优势。另外用拨片弹奏分解和弦会产生清脆明亮活泼的音响效果，所以右手用拨片弹奏也应该同时掌握。　　2、节奏型。　　可能很多人在熟悉了“”以后，稍难一点的节奏型就弹不下来了，问题就出在没有弄清楚节奏型里面所包含的节奏和音符时值之间的关系。拿下面这个图举例：　　这个谱子里包含了4分音符、8分音符、16分音符，还有连音记号。我们来分析一下各音时值之间的关系。　　第1个音是4分音符，第2个音是8分音符，第3、4音是16分音符。3、4两个音的时值加起来应该等于第2个音的时值长度。而第一个音的时值长度又等于两倍的第2个音的时值长度，也等于2、3、4三个音长度之和，后面的5、6、7、8是4个16分音符，每个音符的时值长度是第1个音的四分之一，因此不难理解5、6、7、8四个音的时值加起来等于第1个音的时值，这就意味着你要在第1个音的时值里面，弹完时值均等的5、6、7、8这4个音，后面的9、10、11、12也是一样的道理。但这个时候注意8和9之间的连音记号，连音记号之后的这个9是不弹的，9虽然不弹，但是要利用弹响8之后的“延音”或者说“余音”，保持9音，16分音符的时值就相当于8弹完以后，还要保持到第9个音的时值结束。总之记住一个原则，拿到一个稍难的节奏型先弄清楚音符时值之间的关系，先数拍子，用手或者脚把拍子打出来，熟练之后，再落实到琴上，从慢速开始，逐渐提速。　　3、扫弦。　　扫弦可以用手指也可以用拨片，二者在音色上有区别。我个人认为用拨片扫弦声音比较好听，扫弦的难点是手指或者拨片的触弦方式和扫弦的发力方式。　　先说用手指的扫弦方式。下扫用食指的指甲背面，上扫用拇指指甲背面。食指和拇指垂直交叉，捏在一起，好像涅着拨片的感觉，其余手指自然下垂，扫的时候用指甲背掠过琴弦，而不是刮过琴弦，触弦要浅，扫每根弦的力度要均匀。　　对于拨片，方法差不多，关键是触弦要浅，相对于拨弦，扫弦的时候拨片露出来的要多一些。　　再说发力方式。扫弦的时候是手腕在发力，不是手臂发力，是靠手腕上下甩的一种感觉，有点类似甩体温计的那种。这样发力就可以使参与扫弦的手指或拨片能够均匀的掠过琴弦。如果是手臂带动扫弦，那出来的声音会很刺耳，不好听。　　其三，左右手的配合。　　左右手的配合主要就是左右手的协调性。初学者经常会存在这种现象：右手还没弹左手按的那个音，按弦的手指已经腾空而起，转移到其它位置了，或者该弹某个音了，左手还没按到这个音，这就是典型的左右手不协调，步调不一致，左手跟不上右手或者右手跟不上左手。　　解决的方法很简单，就是从慢练起，左手按一个音，右手弹一个音，等这个音弹完整了，弹清楚了，再换下一个音。其实这种不协调更多时候出现在和弦转换的时候，右手最后一个音还没弹完，左手已经开始腾空而起，向下一个和弦转换了，就是和弦弹的不完整，为什么会产生这样的结果呢？因为如果等最后一个音老老实实弹完再转换就跟不上节奏，来不及了，这是不正常的，为了把一个和弦弹完整，又跟得上节奏，这就需要对和弦的转换非常熟练和迅速。这其实也就要求你对和弦非常熟悉，一瞬间就能把和弦按好，这是不容易的，要花费一定的心血。　　解决办法：我们可以先按好一个和弦，不要弹，释放掉所有的手指，再按那个和弦，再释放，不断反复，直到能够快速地按到位，又释放，再按到位。这样，这个和弦再参与到转换里就不会有问题。　　如果您喜欢这篇文章，请点击右上角分享到朋友圈，让更多的朋友享受音乐的无穷乐趣
　　调式与调性　　现在古卓音律吉他教室已经开通网络视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　在音乐中，按照一定的关系连结在一起的许多音(一般不超过七个)，组成一个体系，并以一个音为中心(主音)，这个体系就叫做调式。　　调式中音的分类　　在调式体系中，起着支柱作用并给人以稳定感的音，叫做稳定音;给人以不稳定感的音，叫做不稳定音。不稳定音有进行到稳定音的特性，这种特性就叫做倾向。不稳定根据其倾向进行到稳定音，这叫做解决。音的稳定与不稳定是相对的。我们常见的某一个音(或和弦)在某一调式体系中是稳定的，但在另一调式体系中可能变得不稳定，即便在同一调式体系中，因为和声处理的不同，某些稳定音也可能暂时处于不稳定的状态中。　　分类　　调式分为大调式和小调式。由七个音组成的调式叫大调式，其中稳定音合起来成为一个大三和弦。小调式也是由七个音组成的，其中稳定音合起来成为一个小三和弦。大调式的主音和其上方第三音为大三度，因为这个音程最能说明大调式的色彩。小调式的主音和其上方第三音为小三度，因为这个音程最能说明小调式的色彩。在大小调体系中，起稳定作用的是第Ⅰ、Ⅲ、Ⅴ级。这三个稳定音级的稳定程度是不同的， 第Ⅰ级最稳定，而第Ⅲ级和第Ⅴ级的稳定性较差。三个稳定音和它们的稳定性只有和主音三和弦共响时才能表现出来，假使用其他非主音三和弦时，则不具有稳定性。第Ⅱ级、第Ⅳ级、第Ⅵ级、第Ⅶ级是不稳定音级，在适当的条件下，它们显露出二度关系进行稳定音的倾向。　　⑴大调　　依照十二平均律的系统，我们可以从任何一个半音(DO、#DO、RE、#RE、MI、FA、#FA、SOL、#SOL、LA、#LA、SI)开始，依照大调的音程排列次序来做出一个全新的大调，以C大调为例：　　I　II　III　IV　V　VI　VII　　全音　全音　半音　全音　全音　全音　半音　　A、主音、导音　　每个大调都有七个音，您看到的罗马数字就是我们为这七个音排列的级数，第一个音为I级音做为整个大调最主要的音常常被称为“主音”，而第七个音为VII级音作为引导整个音阶再度回到主音的VII级音常常被称为“导音”。　　B、大调的组成规则　　每个音之间的音程大小，依序为『全-全-半-全-全-全-半』，这就是大调的组成规则，我们将整个音阶分成两部分：『DO、RE、MI、FA』 + 『SOL、LA、SI、DO』，称之为“音型”，每个音型含四个音，其间的音程距离都是『全、全、半』，所以一个大调就是由两个『全、全、半』音型，中间以一个全音连接而成。 整个大调音阶组成的口决是：“全全半、全、全全半”。　　C、升级大调　　以C大调为基础，一个大调应有两个音型，把C大调的两个音型去掉前面那一个，只剩下后面的SOL、LA、SI、DO部分，在后面再接一个“全全半”的音型，在两个音型之间加上一个全音连接，成为“RE、MI、#FA、SOL”，其中的FA需要升半音来做成“全全半”音型，因此这个大调就是：此大调的主音是SOL，所以调名就是G大调，调号是#FA。　　D、降级大调　　降级大调与升级大调相反，以C大调为基础，一个大调应有两个音型，在一开始去掉C大调后面的音型留下前面的DO、RE、MI、FA，然后前面再接一个音型，用一个全音连接起来得到FA、SOL、LA、降SI的音型： 这个大调的主音是FA，所以调名就是F大调，调号是降SI 。　　⑵小调　　小调与大调相比可就简单多了，每一个大调都有一个附属的小调，而且这个附属小调所用的调号是共用该大调的调号，我们可以将小调看成是"寄生"于大调的另一种音阶。将该大调的主音向下移小三度就可以找到小调的主音了。 十二平均律小调口决是：全半全全半全全　　小调的分类　　小调分“自然小音阶”、“和声小音阶”、“旋律小音阶”、“现代小音阶”四种，比较如下：　　本图中自上而下分别是"自然小音阶"、"和声小音阶"、"旋律小音阶"、"现代小音阶"，其区别是：　　a、自然小音阶：　　除了调号之外，完全不加任何临时记号。　　b、和声小音阶：　　因为和声学导音的概念，导音应该和主音相差半音，所以除了调号之外，将自然小音阶的七级音升高半音，就成为和声小音阶。　　c、旋律小音阶：　　除了调号之外，由于和声小音阶将七级音升高半音，六级音和七级音就会相差增二度(三个半音)了，为了方便旋律的发挥，所以在音阶上行时将六级音也升半音，却给人以大调的感觉，为了解决这个问题，便在音阶下行时将六级音和七级音还原，成自然小音阶的样子，称为旋律小音阶。　　d、现代小音阶：　　除了调号之外，在现代的和声中，技术不断进步，大小调的调性也不再是很重要的事了，作曲家需要新音阶，现代小音阶就出现了，和旋律小音阶不同的是，现代小音阶在下行的时候是不将六级音和七级音还原的。
　　@bozi01 吉他新手常见的十个问题解答！　　1.怎么样学吉他啊？　　这其实是一个挺无聊的废话问题，但在论坛上，经常会碰到这样的问题。这，叫我怎么说呢？　　吉他这门乐器，相对于别的比较难，但是通过自身的努力，一般都能学会，天份较好的，还会有所成就呢.如果你有条件，最好找个老师，如果没条件，可以选择一门比较容易入门的书，比如《吉他自学三月通》就很好——他们会告诉你怎么样学吉他。　　2.我一点也不懂乐理，能不能学吉他？　　其实这个问题要你怎么看，一般很少的音乐教学，是脱离了乐器，而去讲乐理的。对于吉他学习也是这样的，你可以把吉他当成一种辅助工作，用它来进行乐理学习。有了吉他，你就很容易理解什么叫音程，什么叫和弦以及它们各自的音响特征。所以，不懂乐理，完全可以学吉他，但你学了吉他，一定要去学乐理。　　3.没有老师，能不能自学？　　现在大部分的朋友都处于自学状态，所以，很多人会问这个问题。这个问题的回答当然是肯定的，但是不同的人，自学出来的效果，是不一样的。对于那些自学能力好，悟性高的朋友来说，可能就进步快些。而别的朋友就会较差。现在古卓音律吉他教室已经开通网络视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　自学有一个缺点就是：容易走弯路，容易浪费时间，比如某道问题，通过老师讲解，你可能马上就明白了，但自己则需要琢磨很久。对于一些技巧性的东西，如果有个老师示范的话，你会知道的更清楚，弹的更准确。所以，我们建议：如果有条件，当然还是有个老师好一点。　　4.弹琴必须一直盯着琴吗？　　这个其实还是一个熟能生巧的过程，在最开始的练习中，必要时，你可以用眼睛去看，等到培养出一定的“感觉”的时候，你的手自然就可以脱离眼睛的束缚了。再了注意就是最好把小指支在面板上，但注意，不要用力，因为它只是起到一个支持点的作用，你不要把它做为受力点。　　5.拔片一定要交替拔弦吗？　　一般都是这样认为，但是你不要误解了。在这里的交替拔弦，其实是说的是音符均匀的时候，你要交替拔弦（有时候，在速度比较慢的情况下，也会全部采用下拔）。但是，如果音符时值不等，你就不能交替拔弦了，这里有一个原则，就是：一般来说，在落拍（就是你用脚打拍时向下落的那一拍）时，应该向下拔弦，这样，可以让你的节奏更有力，更稳重。　　比如“八 十六 十六”的拔弦方式为：“下 下 上” ，而“十六、十六、八”的节奏就成为下上下。 “十六 八 十六”的弹法为“下 上 上”　　6.扫弦听起来很乱，怎么办？　　新手扫弦一般都会遇到这个问题，在最开始的时候，都是这样。这个问题，是需要你自己不断的去寻找感觉的。掌握好最佳的拔片扫弦角度、力度，节奏等，这都是非常重要的。一定要多听听相关的歌曲（比如许巍很多歌曲都是扫弦很明显），找到扫弦的感觉。　　7.为什么弹唱时，不看谱子就记不住和弦？　　这个问题，不是因为你记忆差，而是在于你还不了解和弦，不知道歌曲配和弦的规律所造成的。相关的贴子，你可以去“乐理知识版”找一下，有很多的。　　8.我买什么吉他好？　　其实现在有一个很普遍不好现象，就是盲目跟风，见别人用什么，自己也买什么，跟本不考虑自己的实际情况。比如自己的经济能力，爱好，特长等各方面因素。对于琴来说，适合自己，好用即可，对于初学者来说，切忌不要在琴上较劲——他买IBANEA花了一万？那我就买GIBSON，花两万，结果买上了，发现自己喜欢玩摇把。那就惨了，要知道，乐器一经手，再转手买，你会很受损失的。再了就是，现在你不喜欢的，不一定代表你以后不喜欢，像我以前，很不喜欢芬达，喜欢双摇琴，现在呢，正好相反了，看见双摇琴就头疼，芬达的那种款式倒成了我的最爱。　　还有低档琴，没有必要注重什么排子，如果你身边有有经验的人，请他们帮你挑把手感、音色都不错的杂牌琴，也很好。如果你自己去买，当然还是选 品牌琴，有一定的质量保证。　　9.究竟什么算高手？　　这个问题虽然大家不经常问，但是大多数的学员，都没有完全意识到这个问题。有的人以为速度快就是高手，有的人以为技巧玩得花哨就是高手，还有的人以为能用吉他写首歌就算是高手（其实他们大部分都是1-6-4-5写成的“口水歌”，哄哄小孩子罢了）。——一个真正的高手，是需要各方面素质综合起来的，比如创作，演奏，即兴等，当然，他的人品也是很重要的一方面。如果一个人，琴弹的很好，人品却很差，那他也注定将是一个失败者。　　10.学吉他的心态　　学习，首先要端正态度，在最开始的时候，最好把它当做业余爱好，没有必要给自己制定过高的目标。如果订的目标过高，那样，你就会有很多的压力，也会失去很多该有的快乐。最好是，在一种平和的心态下学琴，只要自己努力了即可，随着学习的不断深入，你也可以从各方面考查一下自己，然后制定比较理智的目标 ——其实，有时，你把它当成爱好反而能给你带来更多快乐。
　　唱歌技巧和发声方法　　声乐专业是一门技术性和实践性非常强的学科，仅凭理论知识和文学资料去进行学习是非常困难的，它主要是通过正确的发声训练和不断的歌曲演唱来逐步完成的。每位歌唱者必须通过发声练习的途径，掌握科学的歌唱发声的基本方法，使歌声美妙动人。　　一、 歌唱发声练习的目的和要求　　歌唱发声练习的目的，简要地说，就是将歌曲演唱中对声音所需求的各种技术环节，通过有规律、有步骤的发声练习，逐步提高歌唱发声的生理机能，调节各歌唱器官的协作运动，养成良好的歌唱状态，使歌唱发声的技术成为歌唱表现的有力手段，为达到声情并茂的演唱服务。　　我们练声的目的是要调整巩固科学的发声状态，把良好的歌唱状态保持到歌唱中去，改变平时生活中自然的发声习惯，使之成为符合歌唱发声的习惯和状态，所以必须明确我们练声的目的，而不是简单的“开开声”而已。　　歌唱发声练习要求每个歌唱者首先要了解和熟记歌唱发声器官的生理部位及其功能，掌握歌唱发声的基本原理，全面理解其精神实质，通过反复的练声及歌唱实践来消化和验证其歌唱规律。因此在发声训练过程中应注意以下几点要求：　　1)每位歌唱者一定要充分理解和运用气息发声和气息控制的方法(即横隔膜的呼吸方法)，因为在整个声乐功能系列中，歌唱呼吸是最重要的一环，是整个歌唱建筑的基础，因此必须明确呼吸的重要性，重视练好歌唱呼吸的基本功。　　2)打开喉咙，稳定喉头，是歌唱基本功训练的核心，这是歌唱者声乐技巧能否顺利发展的关键之一，很多歌唱者声音上的毛病，多是由于歌唱时喉头不找开、不稳定造成的，而正确的喉头位置是协调呼吸器官的运动，获得稳定、流畅声音效果的关键。　　3)要恰当地运用好歌唱的共鸣，要使声音传得远，充满剧场，且圆润，优美动听，这是要经过专门训练的，对于初学者来说，是比较难掌握的课题。由于共鸣训练常常与其它发声基础要求分不开，因此要求歌唱者通过母音的转换，稳定喉头打开口腔，调节气息等手段，把声音振响在鼻咽腔以上的高位置头腔共鸣点上，来增大音量，扩展音域，美化音色，统一声区，使高、中、低三个声区的声音协调一致，天衣无缝，走动自如灵活。　　4)正确的发声要与正确的咬字、吐字相结合。通过字、声结合的练习来提高唇、齿、舌的灵活运动能力，使之更完美而生动地表现歌曲和情感和内容。　　5)在歌唱发声时，还要注意对音准、节奏的训练，通过发声练习，逐步掌握连、顿、强、弱等全面的歌唱发声技巧，丰富歌曲的表现手段，增强歌曲演唱能力。　　6)在每次练习时，都要保持正确的歌唱姿势，正确的歌唱姿势是进入良好歌唱状态的前提。　　7)在练声、唱歌前，一定要摒除一切杂念，稳定情绪，要有非常好的心理状态，要有良好的歌唱欲望，要充满信心、放松自如地进入歌唱状态，否则是唱不好歌的。　　8)从开始练声起，就要同音乐结合起来，即练声也要有良好的乐感。音程、音阶一方面是肌肉、音准、气息、共鸣等方面的技术练习，同时它们又都是乐曲的组成部分，要给它们以音乐的活力和生命。因此练声一开始，要求每个歌唱者把音程、音阶、练声乐句也唱得悦耳、动听。以上我们可以领悟到，在歌唱发声的过程中，呼吸、共鸣、吐字、表现缺一不行，它们是相互联系、相互促进、相辅相成的，这就是我们所要求的“整体歌唱”的涵义。　　二、 歌唱发声练习的步骤　　歌唱发声基本功的练习，一般按音域进展的规律，可分为三个阶段进行。　　第一阶段　　以中声区训练为基础，掌握基本的发声方法，调节和锻炼肌肉以适应歌唱技术的需要。无论哪一个声部，都应该从中声区开始训练。练中声区的音相对巩固后再逐步扩大音域，要知道声乐学习要从基础入手，中声区是歌唱嗓音发展的基础，基础必须打得扎实，要记住“欲速则不达”的道理。　　第二阶段　　是中声区的基础上，适当扩展音域，加强气息与共鸣的配合训练，练好过渡声区(即换声区的训练)，为进入头声区的训练打好基础。第二阶段的练习是关键的一环，需要花费的时间相对也比较长，但千万要有耐心和信心，不要急于唱高音，要沉得住气，等这段音域巩固后，再进入高声区的练习。　　第三阶段　　即高声区的练习可以在比较巩固上两个阶段的基础上加强音量音高的训练，进一步扩大音域，做较复杂的发声练习，使各声种达到理想的音高范围。这了阶级的练习要特别注意高、中、低三个声区的统一，音的过渡不要发生裂痕和疙瘩，重点是加强头声区的训练，获取高位置的头腔共鸣，从而达到统一声区的目标。这样我们歌唱发声的乐器基本制造完毕，可以唱一般难度较大的歌曲了。　　三、 歌唱发声练习的起音　　发声练习开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。　　1、 激起声　　是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练习中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。　　2、 软起声　　软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。　　3、 舒起声　　舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。
　　@bozi01 四、 歌唱发声练习曲　　练习曲的练习，是发声歌唱的重要的基础训练。练声曲可以用各个母音或混合母音或子母音混合音，也可以用音阶的音名1234567等等来练唱，也可以在练声曲上安排歌词来练习叫带词练习。发声练习过程中，是以声音效果和发声器官肌肉适度的标准去调整发声器官的机能和状态的，每个人的发声器官的构造、嗓音条件、声音类型、发声习惯各不相同，因此，并不是每一种类型的练习都必须唱，而是有计划、有针对性地进行选择练习，而且不同的学习阶段，选择的发声练习也是不同的，但一般情况下，开始的练习总是选择元音和比较平稳的音阶开始练声。一般来说选择“o”或者“u”之类的比较圆润的元音开始着手练习，因为这些元音容易形成需要的空间，比较容易保持喉咙打开的基本状态，也比较容易形成喉咙空间的状态。但这也不是绝对的，唱歌者应根据自己的感觉找到最适合自己的母音来练习。我们在练习中要多动脑子，善于思考，千万不能一个劲地傻唱。　　1、“哼鸣”的基本练习　　一般在开始练声时，先练练“M”是有益的，因为发这个音容易达到高位置和靠前、明亮、集中的效果。练习哼鸣时首先上下唇自然地闭上、口腔内部要打开，好象闭口打哈欠的感觉，感到声音向高位、额窦、鼻窦处扩展，但切勿把声音堵塞在鼻腔里，否则会发出鼻音。　　2、母音的练习　　除进行哼鸣练习外，更多地是进行母音的练习，如a，i，o，u，e等单母音练习，也可用混合母音练习如ma，me，mi，mo，mu等等。　　3、连音练习　　人们常说：“不会连贯就不会歌唱。”歌唱声音的主要表现力就在于声音的连贯优美，只有连贯的声音才能唱出动人的旋律线来。为了使声音有更多的连贯性，可以将练习的音域相对拉宽些，练习也可以随之难度更大些。　　4、顿音练习　　顿音唱法又称为断音唱法。要求唱得清晰，短促，灵活，富有弹性，集中感强。练习时要注意一字一音的灵活性和一字一音的连贯性。　　5、连音和顿音结合的练习　　在基本掌握了连音和顿音唱法的基础上，可以加连音、顿音结合在一起的练习，这样有利于歌唱状态的统一，顿音好象是一个“点”，连音像是一条“线”，这样以点带线，便声音的位置统一，并保持气息均匀流畅。　　6、保持共鸣位置不变的练习　　在“哼鸣”练习中我们已经讲了找共鸣位置最好的办法就是体会“哼鸣”感觉，如果这个共鸣焦点找准了，那么其它所有的音都应该向这个哼鸣位置靠拢，这样才能达到歌唱的高位置，使声音上下统一。　　7、声音灵活性的练习　　这种练习主要是为了适应歌曲演唱中快速、流动的要求，以达到更积极的身体、喉咙、气息的配合。　　8、结合字声练习(带词练习)　　要求根据词意富有想象，有意境，有画面，语气有表现，声音有乐感，有感情地去唱。力求做到字准腔圆，以情带声，声情并茂，慢慢地向歌唱歌曲作品过渡。　　9、练声注意事项　　1)要注意保护好自己的嗓子，适当地练唱，发声练习的时间，初学时20分钟一次为宜，以后逐渐地加至半小时或一小时，坚持每天练习最重要，绝对避免用全音量来练习。大声地乱唱，容易使歌唱器官受损。　　2)在没有能力唱高音之前，切勿作高音练习，经常唱一组你最满意的音，选择曲目更要谨慎，不要唱不适合自己的曲目。　　3)每次练习应有新鲜感，精神集中，感兴趣地练习。　　4)练习时要多用慢的、短的乐句作为最初的练习。　　声乐训练特别需要时间，奇迹是没有的。“百分之十的智慧，百分之九十的努力。”
　　大师们的练琴秘籍 （附：音乐大师作息时间表）　　【现在古卓音律吉他教室已经开通远程视频教学。如果您想学专业吉他，无论你身在哪里，都能和您面对面沟通教学，欢迎加QQ：交流探讨。　　】　　站长导读　　站在巨人的肩膀上，可以让我们看得更远，进步更快。　　今天提供一些大演奏家的练习方法。这些练习方法，都是演奏家们接受访问时，被问到“你怎样练琴？”时的答复，或者演奏家有练琴的著作，或短文中摘录出来的。让广大音乐爱好者们了解大演奏家的练习方法，也许我们无法全部模仿，也不能，不应模仿----缺少像他们的天份与机缘，或者说方法因人而异。但是可从他们的经验吸取一些观念，整理出一条属于自己的练习方式。 -　　而且，我也会就每一位演奏家的生平简略的做些介绍。 -　　正文如下　　鲁道夫·塞金（Rudolf Serkin1903~） -　　塞金是当今五大钢琴家之一（纽约时报所选），他的演奏形态端正而感情细腻，他的演奏给人的感觉是内在的充实感而不是华丽，他的拿手曲目是莫杂特、贝多芬及德奥浪漫派的作品。从他的演奏中可感觉出他的热情洋溢，技巧纯熟，动作相当夸张，音乐在嘴边不停的哼唱，他虽然是钢琴大师，但限于他的触键房是很少改变，所以他不属于技巧与风格灿烂的演奏家，他的最大特点是对音乐能进行深入的探讨，然后展现出明朗的建筑性。 -　　1、如何练习： -　　①、每天都需长时间练习，练过5小时候才进入状况。 -　　②、用慢速及快速练，不用中速练，但加上表情。㈠ -　　③、练习曲用Moscheles、Hummel、Thalberg、Liszt等，很少用Czerny. -　　④、强调技巧的重要性，没有技巧，既没有音乐。　　2、是否作基本技巧练习： -　　强调音阶、琶音等基本技巧练习，但不用哈农。　　3、如何背谱： -　　①、指法的记忆，是危险而不可信赖的。 -　　②、我靠不知不觉地回忆记谱。 -　　③、也用分析。 -　　④、我无法想象一句一句背，谱子一直跟着我，甚至使我无法睡觉。 -　　威廉·巴克豪斯（Wilhelm Backhaus）　　巴克豪斯生于德国的莱比锡真是德国的文化与音乐中心，巴克豪斯自幼即师从艾洛斯、烈根德弗，1891年进入莱比锡音乐院，毕业后移居法兰克福，虽当时有名的钢琴家兼作曲家的德尔贝特（D·Albert）学习。德尔贝特教他最拿手的“贝多芬作品诠释”。1900年，巴克豪斯初次在伦敦登台，一鸣惊人。他除了21岁时应聘为英国曼彻斯特音乐院教授及1907年23岁在仲德斯豪音乐院任教，但时间很短，自始至终他都已演奏家的身份活跃于舞台上。 -　　1、如何练习： -　　①、强调音阶、琶音及巴赫，这是他的技巧基础，75岁时，每天连半小时以上的音阶琶音。　　②、不能以复杂的技巧就认为是难曲，即使最简单的莫扎特乐曲，要做到完美也是困难的。　　③、不要只练那些几分钟就能弹出的音群，优美旋律的曲子，这对演奏家是危险的。　　2、是否作基本技巧练习： -　　一生都在练音乐、琶音，但都加上表情。-　　华尔特·纪瑟金（Watter Gieseking）　　纪瑟金出生于法国的里昂，四岁开始弹钢琴，据说他在6岁的时候在法国贵妇人面前弹奏舒曼的幻想曲作品17号。8岁写了奏鸣曲作品二一起其他曲子。10岁进入德国汉诺威的市立音乐学校，接受卡尔·赖玛（K·Lei-mer）,这是他一生中唯一的老师。他初次正式登台是在20岁，而且一鸣惊人，3个月内在汉诺威廉著演奏六场贝多芬的全部奏鸣曲。 -　　1、如何练琴： -　　①、强调寻求人走路时最自然的姿势弹奏。 -　　②、练习要求绝对正确，即使ppp,或pp都要清楚区分。 -　　③、注重耳朵训练、注意听自己的演奏，要以批判别人的态度来听自己的。 -　　④、音节练习要求以快速弹奏，ppp的音量。　　2、是否作基本技巧练习： -　　要练习音阶、琶音能从ppp~fff间弹出各种等级的音量，还要用ppp和最快的速度弹音阶、琶音。　　3、如何背谱： -　　可以不用琴练习，就可以背谱。 -　　亚图·史纳伯（Artur Schnabel） -　　史纳伯是上一代的奥国大钢琴家兼伟大的教师，他是雷谢狄斯基（T·Leschetizky）的门生，它是第一位被称为贝多芬专家的演奏家。当代的钢琴演奏家或者教师都以师事史纳伯为荣，甚至以他这一系的教学系统而自夸。 -(音乐人网微信：YYRW365)　　1、如何练琴： -　　①、最初较为注重技巧练习。 -　　②、有了技巧后，把技巧放在第二位，否则会变成单纯的技巧家。 -　　③、音乐注重直觉。 -　　④、强调音乐的诠释，要忠于原谱。 -　　2、是否作基本技巧练习： -　　教学是注重技巧练习。 -　　克劳迪欧·阿劳（Claudio Arrau1903~?） -　　阿劳是南美洲最杰出的钢琴家，也是当代名列十大的钢琴大师，他出生于南美洲智利，在德国受教育，最后在美国定居，虽然他在美国逗留44年，他仍然保留他的智利公民的身份。由于母亲的启蒙，在3岁学琴之前，已可背弹贝多芬的奏鸣曲，是个惊人的神童，五岁举行首次独奏会，六岁入圣地亚哥音乐院，八岁在圣地亚哥正式登台举行独奏会年间师从于马丁·克劳塞（Martin·Krause）克劳塞1918年逝世后，他完全靠自修完成了自己的音乐教育，为了在紧张中保持平静而看了许多“禅宗”方面的书，并从禅宗中不断地找到钢琴艺术所必备的条件。 -　　1、如何练习： -　　①、在12到13岁时，每天练3小时基本练习。　　②、14岁以后，该练乐曲困难部分。 -　　③、演奏前不到会场预演。　　八卦：音乐大师的生活作息表　　　　　　　　你有多久没有给好朋友惊喜了？　　如果你有哪个朋友可能也喜欢这篇文章，请分享给他/她吧 :)
　　LZ好给力，收藏了反复仔细阅读。谢谢~
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